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obras-de-arte/antoni-clave/index.php

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       <h2>Antoní Clavé</h2>
-      <p>(Barcelona, 1913 - Saint Tropez, 2005) Pintor y escultor español. Discípulo del escultor Ángel Ferrant y del pintor José Mongrell, se inició en la pintura en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y su incursión en el ámbito profesional se produjo a través del cartelismo, fundamentalmente el cinematográfico. Afiliado en el Ejército Republicano durante la Guerra Civil española, en enero de 1939 se exilió a Francia, donde pasó un tiempo en un campo de refugiados. Prosiguió sus actividades pictóricas conformando, junto con un grupo de pintores españoles, la denominada Escuela de París.</p>
-      <p> En 1941 montó su primer estudio de Montparnasse. Su estabilidad afectiva y el nacimiento de su hijo dieron origen a una serie de cuadros de carácter íntimo, algunos de ellos tendentes a la abstracción. No tardó en realizar pinturas de marcado carácter expresionista e incluso cubista, en los que trató de manera sistemática y especial la técnica del collage, de la que derivaron posteriormente los assemblages.
-        Expuso por primera vez en París en 1949; desde entonces su nombre aparece en los salones parisienses de Otoño y de la Sociedad General de Bellas Artes, y también en Roma, Estocolmo, Ginebra, Copenhague, Londres y Niza. La culminación de su reconocimiento como pintor de renombre se dio en 1978, cuando el Museo de Arte Moderno de la Villa de París le dedicó una gran retrospectiva que incluía pintura, collage y grandes tapices de 1958 a 1979. </p>
-      <p> Clavé se adentró además en el campo de la escultura desde joven, de la mano de Ferrant. Algunas piezas parten de objetos encontrados y recontextualizados (influencia de Miró); en otras ocasiones confecciona cajas, armarios y relicarios, sobre todo en madera, a base de piezas ensambladas y policromadas que mantienen al mismo tiempo la ambiguedad de lo escultórico y lo pictórico. Dentro de este terreno sobresalen los pequeños bronces, donde se hace patente la secuela de las milenarias esculturillas de tradición mediterránea que tienen como protagonista el símbolo de la fertilidad, representado en las diosas madres, a quienes el artista barcelonés convierte en nodrizas o reinas.</p>
-      <p> En 1996, en Barcelona, fue su última exposición retrospectiva "Antoni Clavé en La Pedrera", comisariada por Daniel Giralt-Miracle. Este crítico de arte, luego de la muerte de este gran pintor, grabador y escultor, el 31 de agosto del 2005, dijo "la pintura le mantuvo vivo hasta una semana antes de su muerte"... "El arte era el motor de su vida...". </p>
-      <h3>PREMIOS:</h3>
+<p>Nació en Barcelona el 5 de abril de 1913. Se lo ha considerado una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo. Inició su formación pictórica en 1926, asistiendo a cursos de Bellas Artes y a los talleres de ángel Ferrán y José Mongrell.</p>
+
+<p>Hasta el inicio de la Guerra Civil su actividad artística se destacaba por el trabajo en pinturas murales, decoración ornamental, diseño publicitario y otras actividades creativas. Pero en 1939 se vio obligado a irse a vivir a Francia de forma definitiva, donde una vez instalado afianzó su pintura, salió airoso del post-impresionismo y tuvo el coraje de, animado por Pablo Picasso, dar un paso adelante y adentrarse en la abstracción. Por lo que, en los últimos años su trabajo fue en su totalidad abstracto, siguiendo una línea de depuración de esquemas formales.</p>
+
+<p>Además de pintor ha sido grabador y escultor. Su fuerza creadora lo impulsó a lanzarse de manera continua a nuevas aventuras pictóricas. Ha triunfado tanto en pintura e ilustración como en escultura e incluso escenografía. Pero es en el grabado donde demostró su maestría: sus innovaciones son la auténtica revolución calcográfica de estos tiempos.</p>
+
+<p>En 1996, en Barcelona, fue su última exposición retrospectiva "Antoni Clavé en La Pedrera", comisariada por Daniel Giralt-Miracle. En 1999 se celebró en Madrid una retrospectiva en las salas del Conde Duque en la que se reunían obras del artista de las décadas ´80 y ´90.</p>
+
+<p>Antoni Clavé falleció el 31 de agosto del 2005, a causa de una insuficiencia respiratoria, a los 93 años en su residencia de la localidad francesa de Saint Tropez. Clavé residía en Francia desde 1939, año en que marchó al exilio al término de la guerra civil española, donde colaboró con las mejores galerías de la capital francesa y realizó escenografías para el Ballet de la Opera de París.</p>
+
+<p>En declaraciones a EFE, el crítico de arte Daniel Giral-Miracle calificó la pintura de Clavé como "una abstracción con referencias figurativas; una abstracción lírica. Fue seguidor de una cierta tradición española como la de Velázquez o Picasso, aunque los críticos franceses lo encuadraron dentro de la Escuela de París".</p>
+
+<p>La viuda de Clavé, Madeleine, sus dos nietos, sus dos biznietos y Pepe Clavé, primo hermano -gran colaborador y amigo muy próximo- fueron los que encabezaron el cortejo, entre las más de doscientas personas reunidas.</p>
+
+<p>Giralt-Miracle, recordó cómo "la pintura le mantuvo vivo hasta una semana antes de su muerte". "El arte era el motor de su vida. Dedicó toda su vida al cartel, a la escenografía, al teatro, a los libros ilustrados y sobre todo a la pintura y la escultura, y creo que esto es lo que le dio vida y le permitió vivir 93 años".</p>
+
+<p>Emmanuel Clavé, su nieto, coincidió en esta apreciación al evocar la suerte de haber pasado con su abuelo y en familia todo el verano y cómo hasta el final continuó su trabajo en el taller. "Ha sido fantástico haber podido despedirlo así", subrayó.</p>
+
+<p>"Sabía que el día que dejase de pintar se moriría. él nos hablaba mucho de Miró, de cómo dejó de pintar sólo poco antes de morir", y esto fue lo pasó. Dicen los expertos que Antoni Clavé "triunfó en los años 60 porque fue capaz de codificar un lenguaje y de definir una pintura moderna". Hasta siempre. Porque los grandes quedan vivos en el recuerdo, con su obra.</p>
+
+<p>Clavé dominaba también las técnicas de grabación, la litografía y el aguafuerte. Asimismo aprendió a trabajar el cobre y sus diversos procedimientos calcográficos.</p>
+
+<p>Si en sus orígenes los grabados de Clavé hicieron referencia a guerreros, caballeros, reyes, reinas o personajes de El Greco, poco a poco estas referencias fueron desapareciendo para dar mayor autonomía al grabado y a sus recursos.</p>
+
+<p>Todos sus grabados comprendidos entre 1965 y 1980 se expusieron en el Centro de Estudios Catalanes de París en junio de 1982, pasando a ser considerado Clavé como un renovador dentro de las artes de estampación y de la calcografía en general.</p>
+
+
+<p>También hizo incursiones en el campo de la escultura y algunas piezas parten de objetos encontrados y recontextualizados. En otras ocasiones confeccionó cajas, armarios y relicarios, sobre todo en madera, a base de piezas ensambladas y policromadas que mantenían al mismo tiempo la ambigüedad de lo escultórico y lo pictórico.</p>
+
+<p>Dentro de este terreno sobresalían los pequeños bronces, donde quedaba patente la secuela de las milenarias esculturillas de tradición mediterránea que tienen como protagonista el símbolo de la fertilidad representado en las diosas madres, quienes el artista barcelonés convierte en nodrizas o reinas.</p>
+
+<h2>PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS</h2>
+
+<p>Entre otros galardones, recibió la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (1984); la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña por su labor artística innovadora; y el premio de la UNESCO por su labor en el campo de la gráfica.</p>
+
+<p>En 1989 presentó una exposición retrospectiva de sus esculturas en el Palau de la Virreina de Barcelona, que abarcaba desde 1939 hasta 1986. Un año más tarde inauguró una muestra antológica con toda su pintura en el Palau Robert de Barcelona, organizada por la Generalitat de Cataluña.</p>
+
+<p>En 1996 tuvo lugar en la capital catalana su última exposición retrospectiva 'Antoni Clavé en La Pedrera', comisariada por el crítico Daniel Giralt-Miracle, quien considera a Clavé, junto a Tapies, "una de las figuras más destacadas de la pintura catalana y española y de más proyección internacional", tras permanecer en activo
+como pintor hasta "el último momento de su vida"</p>
+
       <ul>
         <li>Halimark de Nueva York (1948)</li>
         <li>David Bright de la Bienal de Venecia (1954)</li>
         <li>Bienal Internacional de Tokio (1957).</li>
       </ul>
-      <p> Continuador del surrealismo y presente en numerosísimas exposiciones por todo el mundo, su obra se encuentra entre otros, en los siguientes </p>
-      <h3>MUSEOS Y COLECCIONES:</h3>
+
+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>
       <ul>
         <li>Museo de Bellas Artes de Bilbao</li>
         <li>Museo Picasso de Antibes</li>

obras-de-arte/eduardo-arroyo/index.php

@@ -27,22 +27,217 @@
       <div id="scroll-content">			            
             <h2>Eduardo Arroyo</h2>
 
-<p>Nació en Madrid, 1937. Es un pintor español de estilo figurativo vinculado al pop art. Clave de la nueva figuración española, Arroyo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 80, tras un alejamiento de dos décadas forzado por el régimen franquista. Actualmente, sus obras cuelgan en los más reputados museos españoles y su creatividad se extiende a las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas.</p>
-<p>Arroyo nació en Madrid, pero, tiene raíces leonesas. Tras finalizar la carrera de Periodismo (1957), se trasladó a París ("como muchos otros", según él) huyendo del ambiente asfixiante del franquismo. Dejó atrás una primera etapa de caricaturista con incipientes coqueteos en la pintura, aunque su primera vocación fue escribir, tarea que prosigue hasta hoy.
-Simultaneó la escritura con la pintura, pero ya en 1960 vivía de su labor como pintor. Su actitud crítica ante las dictaduras, tanto las políticas como las artísticas, le empujó a iniciativas controvertidas. Optó por la pintura figurativa en unos años de aplastante dominio de la pintura abstracta en París, y sus primeros temas recordaban a la "España negra" (efigies de Felipe II, toreros, bailarinas) pero en clave cáustica y nada romántica. De un uso matérico del color, Arroyo pasaría a una técnica más propia del "pop art", de colorido vivo y pincelada más lisa. Temprano ejemplo de ello es "Robinson Crusoe", de 1965 (Lausana, Museo Cantonal de BB.AA.).
-Arroyo expuso en una colectiva en París ya en 1960 ("Salón de la Joven Pintura"), pero su primer impacto público se produjo tres años después, al presentar en la III Bienal de París una serie de efigies de dictadores, que provocó las protestas del gobierno español. Igualmente en 1963, Arroyo preparó una muestra en la galería Biosca de Madrid, que se inauguraría sin su presencia, ya que debió huir a Francia perseguido por la policía; la exposición se censuró y cerró a los pocos días.
-La opción figurativa de Arroyo tardó en ser aceptada en París. Su primera clientela más o menos estable fue italiana; gracias a sus ventas en Italia pudo subsistir en Francia.</p>
-<p>Arroyo rechazaba la devoción incondicional por algunos vanguardistas (Marcel Duchamp, Joan Miró), que consideraba impuesta por modas. Pero aunque le han etiquetado de reaccionario, es doblemente rebelde en realidad: desmitifica a los grandes maestros y defiende el papel del mercado como protector y termómetro del arte, frente a la red de museos e influencias sufragada con el dinero público.
-Arroyo ridiculiza y "reinterpreta" los tópicos españoles con toques surrealistas. Ejemplo de ello es el lienzo "Caballero español", donde el protagonista posa con un vestido de noche (1970; París, Centro Georges Pompidou). En 1974, Arroyo fue expulsado de España por el régimen, y recuperaría su pasaporte tras la muerte de Franco, en 1976. Sin embargo, su despegue crítico en España no fue inmediato y se demoraría hasta principios de los 80; en 1982 se le otorgó el Premio Nacional de Artes Plásticas de España, un desagravio por el olvido sufrido hasta entonces. Ese mismo año, el Pompidou de París le dedica una retrospectiva. Dicho museo posee otra pintura relevante: "Dichosos quién como Ulises I" (1977).</p>
-<p>Su actividad como escenógrafo arrancó con el cineasta Klaus Grüber, y tuvo uno de sus hitos en 1982, con "La vida es sueño" de Calderón de la Barca, bajo dirección de José Luis Gómez. En 1999 montó con Grüber la ópera "Tristán e Isolda", de Wagner, en el Festival de Salzburgo. También ha producido esculturas e ilustra libros.</p>
-<p>
-Eduardo Arroyo es un artista polifacetico que destaca no solo como gran pintor sino como escritor y decorador teatral, ademas de ceramista y grabador. En su obra utiliza una gran variedad de soportes como el lienzo, la madera o el papel de diferentes tipos.
-Arroyo cuenta actualmente con presencia en los más importantes centros de arte. El Museo Reina Sofía de Madrid expone dos lienzos, destacando "Carmen Amaya asa sardinas en el Waldorf Astoria", donde el personaje se representa simbólicamente con un mantón andaluz. El Museo de Bellas Artes de Bilbao, que le dedicó una muestra, posee "El camarote de los hermanos marxistas", que mezcla cine y comunismo, dos de sus temas recurrentes. Es aficionado al boxeo y fue invitado por Jose Maria Aznar a boda de su hija. Reside en un chalet de la Colonia de El Viso, en las cercanias de Chamartin.</p>
-<p>
-Eduardo Arroyo es sobre todo un artista polifacético. Como escritor destacan las obras Panamá Al Brown (1982) y Sardinas en aceite (1990). También ha diseñado escenografías teatrales, como su interpretación de la pieza de Calderón de la Barca La vida es sueño.</p>
-<p>En 1982 el centro Georges Pompidou, de París, le dedicó una gran exposición retrospectiva y ese mismo año el gobierno español le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas.
+<p>El pintor español Eduardo Arroyo nació en Madrid en 1937. Está considerado uno de los principales representantes de la figuración crítica, de contenido político y social.</p>
+
+<p>Estudió periodismo y, en 1958, se traslada a París con la intención de convertirse en escritor. Su conocimiento del francés le permitió integrarse sin demasiados problemas en la vida diaria, pero no en el mundo literario, por lo que decide instalarse en el barrio de los pintores en vez de en el de los escritores. Frecuentó asiduamente la comunidad de exiliados españoles sobrevivientes de la Guerra Civil, lo que hizo que se aficionase por la pintura y que se acentuara su compromiso político y la crítica al régimen de Franco.</p>
+
+<p>En 1963 expone sus retratos de los <b>Cuatro Dictadores</b> en el espacio dedicado por la III Bienal de París a la denuncia del totalitarismo y la represión, bajo el nombre de <b>L'Abattoir</b>, es decir, <b>El matadero</b>.</p>
+
+<p>Son los retratos de Hitler, Mussolini, Franco y Salazar. Cada uno lleva los respectivos emblemas y banderas nacionales, así como las especialidades en las que ha sobresalido.</p>
+
+<p>A mediados de los años sesenta ofrece una visión violenta de la Historia de España en obras como <b>El minero Silvino Zapico es arrestado por la policía (1967); Sama de Langreo (Asturias), septiembre 1963; La mujer del minero Pérez Martínez, Constantina, llamada Tina, es rapada por la policía (1970) o El estudiante Rafael Guijarro se tira por la ventana a la llegada de la policía (1970)</b>.</p>
+
+<p>Simultáneamente a la crítica antifranquista, se preocupó por el compromiso del arte y la vanguardia. Creía que el arte de vanguardia, lejos de cambiar las condiciones de vida y el sistema de dominación, se había integrado en el seno de la cultura dominante. 
+Entiende la vanguardia como una prolongación de la moda a la que hay que hacer frente. Por ello, en sus obras incluye ácidos comentarios sobre las figuras indiscutibles de la vanguardia como, por ejemplo, a Marcel Duchamp en la serie <b>El fin trágico de Marcel Duchamp (1965)</b>.</p>
+
+<p>A Joan Miró dedicó la serie <b>Miró rehecho o las desgracias de la
+coexistencia, en 1966-1967</b>. Al escoger la figura de Miró, Arroyo tenía en cuenta que se trataba de un artista consagrado de la vanguardia, opuesto al régimen de Franco y que mantenía una postura crítica respecto a la situación política de España
 </p>
 
+<p><b>En Espagne je te vois</b> y en <b>España te miro el culo</b> se inspira en la obra La masía, de Miró, pero convierte el huerto en un campo de exterminio.</p>
+<p>En otros cuadros como <b>Casa de la Cultura en Valdepeñas, I y II</b> o
+<b>Inauguración: los cuatro hermanos o cómo hacerse interpelar por los servidores subdesarrollados</b>, narra acontecimientos concretos, de carácter policial y represivo, introduciendo motivos iconográficos característicos del pintor catalán.</p>
+
+<p>La revisión de la vanguardia continúa con Salvador Dalí. Escoge al pintor favorito de Dalí, Velázquez, para realizar <b>Velázquez, mi padre</b>, donde Arroyo se autorretrata como un niño en pañales en brazos del autor de <b>Las meninas</b>, sobre un fondo en el que el cielo de la sierra se ve amenazado por los nubarrones y proyectiles de la guerra civil. Otra obra es <b>Diferentes tipos de bigote reaccionario español o varios aspectos del Sindicato de Actividades Diversas</b>.</p>
+
+<p>En 1974 viaja a Valencia y allí es detenido debido a su actividad antifranquista y expulsado de España. En 1976, tras el fallecimiento de Franco, regresará a la Península comenzando una nueva etapa artística. Todas estas circunstancias hacen que su obra no sea conocida en España hasta la década de 1980.</p>
+
+<p>A partir de 1976 Arroyo realiza una serie de obras que tratan el exilio, donde reflexiona sobre los exiliados. Uno de sus ciclos más intensos es <b>Reflexiones sobre el exilio</b>.</p>
+
+<p>Algunos ejemplos son <b>La vuelta de los exiliados, Regreso de Companys a Barcelona o Ángel Ganivet se arroja al río Dvina</b>.</p>
+
+<p>En <b>Ángel Ganivet se arroja al río Dvina</b> sintetiza las dramáticas vivencias de este andaluz desterrado a las frías tierras del Norte. Recoge el momento en el que tras arrojarse a las heladas aguas del río Dvina, sólo emergen sus zapatos. Ganivet fue un exiliado que nunca regresó, por ello no aparece corporalmente representado sino a través de sus zapatos agujereados y sus calcetines zurcidos.</p>
+
+<p>En <b>Feliz quien como Ulises ha hecho un largo viaje, I y II,</b> Arroyo aborda la situación de aquellos exiliados que sí volvieron a casa y que la encontraron tan cambiada, que ellos mismos se sintieron irreconocibles, se sintieron extraños en su propio hogar.</p>
+
+<p>A partir de 1980 lleva a cabo las series <b>Los Deshollinadores y Toda la ciudad habla de ello</b>. En esta última, explora la noche y vincula su obra con el cine negro. Proliferan por sus cuadros los gangsters, los escaparates, rascacielos, neones, atropellos y acechos. El color dominante es el negro. Un ejemplo, el cuadro titulado <b>Alivia</b>.</p>
+
+<p>Eduardo Arroyo es sobre todo un artista polifacético. Como escritor
+destacan las obras Panamá Al Brown (1982) y Sardinas en aceite (1990). También ha diseñado escenografías teatrales, como su interpretación de la pieza de Calderón de la Barca La vida es sueño.</p>
+
+<p>En 1982 el centro Georges Pompidou, de París, le dedicó una gran exposición retrospectiva y ese mismo año el gobierno español le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas</p>
+
+<h2>EXPOSICIONES</h2>
+<p>
+1961 <br />
+Galerie Claude, Lévin, París. <br />
+<br />
+1962 <br />
+Crane Kalman, Gallery, Londres. <br />
+<br />
+1963 <br />
+Galería Biosca, Madrid. <br />
+<br />
+1964 <br />
+Gallerie 20, Amsterdam. <br />
+Gallerie 20, Arnhem. <br />
+<br />
+1965 <br />
+Galerie André Schoeller Jr, <br />
+París. Galerie <br />
+Bernheim Jeune, <br />
+París. Gallerie <br />
+20, Amsterdam. <br />
+<br />
+1967 <br />
+Galleria De'Foscherari, Bolonia.<br />
+Galleria Il Fante di Spade, Roma. <br />
+Galería Mendoza, Caracas. <br />
+<br />
+1968 <br />
+Studio Bellini, <br />
+Milán.Studio<br />
+Marconi, Milán. <br />
+Galleria Il<br />
+Canale, <br />
+Venecia.Galleria<br />
+La Chiocciola, <br />
+Padua. <br />
+<br />
+1969 <br />
+Galleria La Bussola, Turín. <br />
+Galleria La Robinia, Palermo. <br />
+Galerie André Weil, París. <br />
+<br />
+1970 <br />
+Galleria Aldina, Roma. <br />
+Galleria Il Fante di Spade, Roma. <br />
+Galleria d'Arte Borgogna, Milán. <br />
+Galleria San Michele, Brescia. <br />
+Galerie Withofs, Bruselas. <br />
+<br />
+1971 <br />
+Palazzo de Gobernatore, Commune di Parma. <br />
+Galleria People, Turín. <br />
+L'A.R.C., Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, París. <br />
+Frankfurter Kunstverein, Fráncfort. <br /> 
+Hedendaagse Kunst, Utrecht. <br />
+Münchener Kunstverein, Dusseldorf. <br />
+Kunstverein, Berlín. <br />
+<br />
+1972 <br />
+Galleria d'Arte Borgogna, Milán. <br />
+Gastaldelli Arte Contemporanea, Milán. <br /> 
+Gallerie d'Eendt, Amsterdam. <br />
+Stadische Kunsthalle, Dusseldorf. <br />
+Galleria Nuove Muse, Bolonia. <br />
+<br />
+1973 <br />
+Galerie 9, París. <br />
+<br />
+1974 <br />
+Galerie Karl Flinker, París. <br />
+Studio P.L., Milán. <br />
+Galleria L'Aprodo, Turín. <br />
+<br />
+1975  <br />
+Galerie Fred Lanzenberg, Bruselas. <br />
+La Mela Verde, Turín. <br />
+<br />
+1976  <br />
+DAAD, Akademie der Kunste (con Grazia Eminente), Berlín. <br />
+Gallerie Leger, Malmoe. <br />
+<br />
+1977  <br />
+Galería Maeght, Barcelona. <br />
+Galería Punto, Valencia. <br />
+Galería Val i 30, Valencia. <br />
+Galería Juana Mordó, Madrid. <br />
+<br />
+1978  <br />
+En souvenir de Kreuzberg (con Grazia Eminente), Fondation <br />
+Nationale des Arts Graphiques et Plastiques, París. <br />
+Galerie Karl Flinker, París. <br />
+<br />
+1979  <br />
+Art Package Gallery, <br />
+Highland Park, Chicago. <br />
+Galerie Karl Flinker (Art. 10), <br />
+Feria de Basilea, Basilea. <br />
+<br />
+1980  <br />
+Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Múnich. <br />
+Galerie Maeght, Zúrich. <br />
+Galerie Michael Hasenclever, Múnich. <br />
+<br />
+1981  <br />
+Blu Art, Varese. <br />
+Galleria d'Arte Lanza, Intra. <br />
+Kruithuis, Den Bosch, Citadellaan. <br />
+<br />
+1982  <br />
+Eva Cohon Gallery, Highland Park, Chicago. <br />
+Exposición retrospectiva: Eduardo Arroyo, <br />
+1962-1982, 20 años de pintura, Salas Ruiz <br />
+Picasso, Madrid. <br />
+Centre Georges Pompidou, Musée National <br />
+d'Art Moderne, París. <br />
+Galleria Documenta, Turín. <br />
+Galerie Karl Flinker, F.I.A.C, París. <br />
+<br />
+1983  <br />
+Leonard Hutton Galleries, Nueva York. <br />
+Galería Alençon, Madrid. <br />
+<br />
+1984  <br />
+Anton Meier, Ginebra. <br />
+A.R.C.O.84, <br />
+Galería Alençon, Madrid. <br />
+Guggenheim Museum, Nueva York. <br />
+Anton Meier Art, Basilea. <br />
+Galerie Levy, Hamburgo. <br />
+Premios Nacionales de Artes Plásticas 1982, MEAC, Madrid. <br />
+Gastaldelli Arte Contemporanea, Milán. <br />
+Museo Municipal de Santander. <br />
+Galería Pelaires, Palma de Mallorca. <br />
+Galerie Marc Lasseaux, Mulhouse. <br />
+</p>
+
+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>
+<p>Arroyo cuenta actualmente con presencia en los más importantes centros de arte. El Museo Reina Sofía de Madrid expone dos lienzos, destacando “Carmen Amaya asa sardinas en el Waldorf Astoria”, donde el personaje se representa simbólicamente con un mantón andaluz. El Museo de Bellas Artes de Bilbao, que le dedicó una muestra, posee “El camarote de los hermanos marxistas”, que mezcla cine y comunismo, dos de sus temas recurrentes.</p>
+<h3>PREMIOS</h3>
+<p>Premio Nacional de Artes Plásticas de España</p>
+<h3>BIBLIOGRAFÍA</h3>
+<p>
+Minuta para un testamento 2009 <br />
+<br />
+Homenaje a Bagaría 2007<br />
+<br />
+Disfraces 2005<br />
+<br />
+Escenografías 2005<br />
+<br />
+Un día si y otro también 2004<br />
+<br />
+El trío calaveras: Goya, Benjamin, Byron 2003<br />
+<br />
+Carteles 1963-2002 2002<br />
+<br />
+Al otro lado del espejo: escuela infantil en Sondika 1999<br />
+<br />
+Eduardo Arroyo, el exilio interior 1998<br />
+<br />
+Lecciones de moral y religión 1992<br />
+<br />
+Sardinas en aceite 1990<br />
+<br />
+Bantam 1990<br />
+<br />
+Panamá Al Brown 1988
+</p>
+
+
+
             </div>
             
             </div>

obras-de-arte/equipo-cronica/index.php

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       <div id="scroll-content">
         <h2>Equipo Crónica</h2>
-        <p>tendencias con el propósito de renovar el panorama artístico español. Equipo Crónica es uno de ellos.
-          Nace en Valencia en 1964, a partir de las propuestas teóricas de Tomás Llorens y se desarrolla durante el último período del franquismo y la transición hacia la democracia. En su origen estuvo formado por Juan Antonio Toledo, Manuel Valdés y Rafael Solbes, pero Toledo pronto abandonó el grupo.</p>
-        <p> Lo que más llama la atención del Equipo Crónica es su forma de trabajo. Sus obras, como su propio nombre indica, son realizadas en equipo. Solbes y Valdés reflexionaban primero sobre lo que se proponían y después pintaban conjuntamente.</p>
-        <p> Rechazaron los presupuestos del informalismo y del expresionismo abstracto. Equipo Crónica posee un carácter crítico, de reportaje o crónica de la realidad social y política.</p>
-        <p> Denuncia la realidad de su tiempo y trasmite un mensaje de compromiso político-social y de calidad artística. Utilizaron imágenes conocidas por todos para realizar pinturas, fotos, carteles o collages, en los que reflexionan en torno al lenguaje pictórico y a los géneros. </p>
-        <p>También toman imágenes de la historia del arte. Muchos de sus temas se inspiran en la pintura española del Siglo de oro, pero están insertados en la sociedad contemporánea. Algunos ejemplos son La rendición de Torrejón o El intruso, que aluden a Velázquez o Picasso.
-          A partir de 1970, el grupo sufrirá una evolución. Experimentarán con técnicas y recursos propios del Pop Art, como son las tintas planas, la utilización de imágenes tomadas de los medios de comunicación de masas y el dibujo despersonalizado. Todo ello, como crítica al sistema y al individualismo. Sus obras se caracterizan por estar realizadas en serie, lo que permitía ofrecer un repertorio variado sobre un mismo tema.</p>
-        <p> La unión de Solbes y Valdés fue tan estrecha, que el fallecimiento de Solbes hizo que el grupo desapareciera definitivamente. </p>
+<p>También en España, desde el hartón de introspección que había supuesto el informalismo de El Paso y otros artistas -Tapies, Chillida, Lucio Muñoz..- los artistas empiezan a salir a la calle y a mirar el mundo que les rodea: una sociedad de industrialización incipiente (máquinas, coche, electrodomésticos, etc.) y de turistas.</p>
+
+<p>Ante ese panorama y provistos de un buen conocimiento de la Historia de España y de la Historia del Arte, incluidas la vanguardia, así como del arte que se hacía en Europa por estos años (el pop inglés) acompañado de un espíritu crítico respecto a la situación política y social, tres artistas de Valencia lanzan una nueva mirada al país, el arte, la situación política y el papel del artista en esa sociedad. Son Rafael Solbes (1940-1981), Manolo Valdés (1942) y Juan Antonio Toledo (1940), quienes a finales de 1964 forman el Equipo Crónica, junto con el crítico e historiador Tomás Llorens, como una derivación de Estampa Popular de Valencia.</p>
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+<p>Llorens explica las bases teóricas del Equipo en un texto titulado "La distanciación de la Distanciación", y los tres pintores firman un manifiesto a finales de 1965, donde se definen como un grupo de trabajo, con métodos colectivos y fines supraindividuales.</p>
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+<p>Muchas de estas ideas recuerdan al Equipo 57, pero a diferencia de aquéllos no tienen fines científicos ni experimentales; parten de un estilo propio, directo, de imágenes claras que todos pueden leer (procedan del campo que procedan). "Crónica de la Realidad -decían en aquel manifiesto- es la suma de las finalidades del realismo social pero utilizando los sistemas de imágenes pertenecientes a las experiencias visivas del hombre de hoy, haciendo coincidir la intencionalidad de la obra de arte con la función dialéctica que desempeña en la formación de los grupos
+sociales". Realistas sí, pero de su tiempo.</p>
+
+<p>Solbes y Valdés -Toledo se retira pronto- trabajan siempre en equipo, compartiendo tanto la investigación como la realización de las obras, de tal forma., que a la muerte de Solbes, en 1981, el Equipo desaparece. Y trabajan en series, como Arroyo, lo que les permite analizar un mismo tema con variantes.</p>
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+<p>Crónica parte de unos orígenes humildes plásticamente, y muy acordes, desde el punto de vista visual, con la sociedad española a la que iban dirigidos, como la serie ¡América, América! (1965) -donde la figura de Mickey se repite exactamente igual 19 veces en una cuadrícula y la número 20 es sustituido por la seta atómica- o Vietnam, de 1966: imágenes casi monocromas, muy próximas a los medios de comunicación, a la foto de periódico sobre todo. A partir de ahí, y con un punto de inflexión decisivo que es Latin Lover, de 1966, donde aparece el color, las tintas planas y muchos de sus recursos posteriores, van enriqueciendo paulatinamente su lenguaje para ponerlo al servicio de la crítica política, con la violencia institucional y el poder como temas principales, en series como La recuperación, de 1967-1969 o Policía y Cultura, de 1971.</p>
+
+<p>En La recuperación los motivos protagonistas son los mitos de la España del siglo de Oro en el contexto del primer consumo de los años sesenta. Las imágenes de la pintura española no aparecen como tales imágenes de alta cultura, sino como imágenes de los medios de comunicación, como ocurría con Picasso para
+Lichtenstein.</p>
+
+<p>De esta manera lanzan una mirada irónica sobre esos mitos que el poder impone y utiliza: El Greco, Goya, Velázquez y sus personajes -el caballero de la mano en el pecho, el conde duque de Olivares, la duquesa de Alba-, desmitificándolos al sacarlos de su contexto habitual y colocarlos en uno nuevo, en un ambiente moderno y en actitudes propias de hoy: cortando una cinta ante el sol del imperio como corresponde a un gobernante, detrás de una mesa como interrogador o entre lavadoras y ollas exprés (ya no pucheros).</p>
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+<p>Al mismo tiempo que hace una labor crítica y desmitificadora, el Equipo Crónica pone en cuestión el papel del arte -sobre todo de la vanguardia- en relación con la situación política y cultural española.</p>
+
+<p>La pintura es la protagonista de la Serie Negra, de 1972, y de Billar, de 1977, como lo es también en una serie de raíz política, Paredones de 1975-1976, hecha después de los últimos fusilamientos que tuvieron lugar en España y donde lo que se rompe es la paleta del pintor, que aparece junto a una figura a lo Klee, a lo Picasso... de ojos vendados y un paredón que es también un cuadro vanguardista.</p>
+
+<p>Manolo Valdés nació en Valencia el 8 de marzo de 1942. En 1957 se matriculó en la valenciana Escuela de Bellas Artes de San Carlos en la que estuvo dos años, abandonado los estudios para dedicarse a pintar.</p>
+
+<p>En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica junto con Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes en el cual se mantuvo hasta la muerte de Solbes en 1981, aun cuando a los dos años de la fundación del grupo, Toledo lo había abandonado.</p>
+
+<p>A la muerte de Rafael Solbes sigue trabajando en solitario en Valencia durante unos años, hasta que en 1989 viaja a Nueva York donde monta su estudio y sigue experimentando con las nuevas formas de expresión. Pertenece a la Galeria Marlborough .Monta también estudio en Madrid para la realización de grandes esculturas, alternando la creación en ambas ciudades.</p>
+
+<p>Influido por Rembrandt, Rubens y Matisse, Manolo Valdés realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.</p>
+
+<p>Además de los trabajos expuestos como parte del Equipo Crónicas, Valdés realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas. Como escultor, es autor de La Dama del Manzanares (2003), obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid).</p>
+
+<h2>PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS</h2>
+
+<p>Valdés ha recibido varios premios, entre los que destacan: en 1965 los premios Lissone y Biella, en Milán (Italia), en 1979, la Medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabados en Tokio (Japón) y Premio del Museo de Arte de Bridgestone en Lis'79 en Lisboa (Portugal); en 1983 el Premio Nacional de Artes Plásticas; el Premio Alfons Roig, en Valencia; el Premio Nacional de Bellas Artes de España; en 1986 la Medalla de la Bienal del Festival Internacional de Artistas Plásticos, en Bagdad (Irak) y en 1993 la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en la clase de Banda de Honor, en Venezuela.
+</p>
+
+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>
+<ul><li>
+Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia MNCARS, Madrid
+</li><li>
+CAC Centro de Arte Contemporaneo Malaga, Malaga
+</li><li>
+Patio Herreriano. Museo de Arte Contemporaneo Español, Valladolid
+</li><li>
+Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Valencia
+</li></ul>
+
+<h2>BIBLIOGRAFÍA</h2>
+<p>Carrassat-Marcadé, Movimientos de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2004, pág. 183</p>
+        
       </div>
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obras-de-arte/francisco-bores/index.php

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         <h2>Francisco Bores</h2>
-        <p>Francisco Bores López (Madrid, el 5 de mayo de 1898 - París, 10 de mayo de 1972) es un pintor español contemporáneo. Pertenece al grupo de artistas españoles de la llamada nueva Escuela de París.</p>
-        <p>Su formación artística tuvo origen tanto en la academia de pintura de Cecilio Pla, donde conoció a Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz o Joaquín Peinado, como en las tertulias literarias madrileñas afines al ultraísmo.</p>
-        <p>En esta época realiza grabados y xilografías para un gran número de revistas como son Horizonte, Cruz y Raya, Índice, Revista de Occidente. En 1922 participa en la Exposición Nacional de Bellas Artes. En 1925 participa en la primera exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos. El escaso éxito de esta exposición le empuja a ir a París. En esta ciudad comparte estudio con el pintor español Pancho Cossío y conoce también a Picasso y Juan Gris.</p>
-        <p>En 1927 celebra su primera exposición individual en Paris. A partir de este momento Bores se integra en el ambiente artístico parisino donde va a vivir prácticamente toda su vida. En 1928 primera exposición en una galería de Estados Unidos, en 1930 vuelve a exponer, dentro de una exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.</p>
-        <p>En los años siguientes sigue exponiendo en diferentes galerías de París, como son la Galería Georges Petit, la Galería Bernheim y la Galería Vavin Raspail. Participa también en varias exposiciones colectivas destacando la Exposición de Arte Español Contemporáneo en el Museo de Jeu de Paume de Paris , también ilustra libros y revistas de arte como Minotauro.</p>
-        <p>Contratos con la Galerías Zwemmer de Londres y Galerie Simon de París. Exposiciones en Estados Unidos, en la Buchholz Gallery de Nueva York. Pasa la Segunda Guerra Mundial en San Juan de Luz donde reanuda la amistad con Matisse.</p>
-        <p>En 1947 el Estado francés adquiere, por primera vez, una obra de Bores, en 1949 será el Museo de Arte Moderno de Nueva York el que adquiera sus cuadros. Se reanuda su actividad expositiva por toda Europa: Francia, Alemania, Dinamarca, Italia. Destaca su inclusión en los pintores de la Galería Louis Carré una de las más prestigiosas de Paris, y por tanto del mundo, en aquellos años (1954).
-          Continúa, esporádicamente, ilustrando libros (cinco linograbados "El Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejias" de Federico García Lorca, litografías para ilustrar las obras completas de Albert Camus publicadas por la Imprimerie nationale francesa en 1962). En 1969 expone en la Galería Theo de Madrid lo que supone su aproximación al público español que, prácticamente, desconocía su obra salvo en los círculos profesionales donde, en cambio, era muy apreciada. En 1971 vuelve a exponer en esta misma Galería Theo, falleciendo en París en 1972.</p>
-        <p>En la obra de Bores el critico Joaquin de la Puente señala varias epocas:</p>
-        <ul>
-          <li>Clasicismo renovado (1923-1925)</li>
-          <li>Neo cubismo (1925-1929)</li>
-          <li>Pintura-Fruta (1929-1933)</li>
-          <li>Escenas de interior (1934-1949)</li>
-          <li>Estilo en blanco (1949-1969)</li>
-        </ul>
-        <h3> Exposiciones</h3>
+<p>Madrid, 1898 - Paris, 1972</p>
+
+<p>Maestro del grupo español de la Escuela de Paris. Su obra se rige por la esquematización pero con una gama cromática suave. La pintura de Bores hace gala de la investigación del creador por los juegos cromáticos y el alejamiento de lo anecdótico o superfluo, por lo que no se encadena a lo narrativo ni lo descriptivo.</p>
+
+<p>Tras iniciar sus estudios de Ingeniería y Derecho ingresara en la academia del pintor Cecilio Pla, en la que se forma a lo largo de tres años.</p>
+
+<p>En contacto con el círculo ultraista madrileño frecuenta las tertulias de los cafés Gijón y Pombo. De esta época floreciente data su amistad con Ortega y Gasset, Salvador Dalí, Federico García Lorca y otros miembros destacados de las vanguardias del momento.</p>
+
+<p>Lleva a cabo ilustraciones para Revista de Occidente, España, El Sol, etc. Según el propio pintor destaca, conocería una primera etapa de clasicismo renovado (entre 1923 y 1925) para derivar posteriormente en un estilo neocubista (de 1925 a 1928).</p>
+
+<p>Es hacia finales de los años veinte cuando se aprecian en su obra cambios relevantes que relacionan su lenguaje con el primer cubismo o cubismo analítico y que le convierten en uno de los mas celebres representantes de la Escuela Española de Paris.</p>
+
+<p>De 1934 a comienzos de los cuarenta retorna a los interiores y síntesis espaciales de figuración intimista que recuerdan a Cezanne, Derain o Matisse. A mediados de siglo desemboca en una estética que se encamina definitivamente a la abstracción; conoce la denominada "manera blanca", que reviste de claridad y poderoso dominio de la luz sus naturalezas muertas liberándose del ensombrecimiento que había conocido en épocas anteriores.</p>
+
+<h2>EXPOSICIONES</h2>
         <ul>
           <li>Ateneo de Madrid, 1922</li>
           <li>Galerie Georges Bernheim, París 1931</li>
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           <li>Galerie Villand et Galanis, Paris 1966</li>
           <li>Galería Theo, Madrid, noviembre 1971</li>
         </ul>
-        <h3>Museos</h3>
+
+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>
         <ul>
           <li>Musée de Grenoble, Francia</li>
           <li>Musée d'Art moderne de la Ville de París</li>
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           <li>The Museum of Modern Art, MoMA, Nueva York</li>
           <li>Fundación Arte y Tecnología, Telefónica, Madrid</li>
         </ul>
-        <h3>Retrospectivas y antologías:</h3>
-        <ul>
-          <li>Musée d'Histoire et d'Art, Luxemburgo, Francisco Borès Rétrospective, febrero - marzo 1976.</li>
-          <li>Salas de exposiciones de la Dirección General del Patrimonio Artístico y Cultural, Madrid, Francisco Bores 1898-1972. Exposición Antológica, octubre-diciembre 1976</li>
-        </ul>
-        <h3>Referencias</h3>
+
+<h2>BIBLIOGRAFÍA</h2>        
         <ul>
           <li>Francisco Bores. Catálogo Razonado. Pinturas Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofía</li>
           <li>Bores de Joaquín de la Puente. Catálogo. Exposición Galería Biosca, 1982</li>
           <li>Revista de Occidente - Bores, Julian Gállego. Enero 1977</li>
-        </ul>
+          <li>1954 Tériade, E., Borès. Peintures nouvelles, galerie Louis Carré, París, abril-mayo</li>
+          <li>1956 Lassaigne, Jacques, Borès. Peintures, galerie Louis Carré, París, mayo-junio</li>
+          <li>1957 Lassaigne, Jacques, Borès. Peintures-Marchand, Jean-José, Propos de l'artiste, galerie Louis Carré, París, junio-julio</li>
+          <li>1960 Tériade, E., Borès, Albert Loeb Gallery, Nueva York, febrero-marzo</li>
+          <li>1964 Grenier, Jean, Borès, galerie Villand et Galanis, París, marzo</li>
+          <li>1966 Gindertael, R.V., "Borès. Éloge de la peinture", galerie Villand et Galanis, París, abril-junio</li>
+          <li>1967 Gindertael, R.V., Borès, Galleria Pagani, Milán, marzo</li>
+          <li>1969 Bouret, Jean, "Pour Francisco Borès", galerie Georges Bongers, París, Borès, marzo-abril</li>
+          <li>1973 Guillén, Mercedes, Bores, Galería Theo, Madrid, noviembre</li>
+          <li>1971, Galatheo, Valencia, noviembre</li>
+          <li>1974 Dechanet, Anne, Borès-dessins. Poema, Galerie Sapiro, París, abril-mayo</li>
+          <li>1976 Elgar, Frank y Courthion, Pierre, Borès, galerie Villand et Galanis, París, diciembre 1975-enero1976
+Muller, Joseph-Émile, Francisco Borès, musée d'Histoire et d'Art,
+Luxemburgo, febrero-marzo
+Gállego, Julián, Francisco Bores 1898-1972, Ministerio de Educación y Ciencia, Madrid, octubre-diciembre
+</li>
+		   <li> 1978 Aguirre, Juan Antonio, ltinerante de dibujos en los museos de España, Ministerio de Educación y Ciencia, Madrid Domínguez Millán, Enrique, Bores. Óleos de 1926-1936, Caja Provincial de Ahorros, Cuenca, agosto-septiembre González de Vega, Javier, "Bores: esa callada presencia", Galería Bética, Madrid, Bores 1926-1942, noviembre Prieto, Gregorio, Bores desconocido. Dibujos 1966-68, Galería Sen, Madrid</li>
+           <li>1982 Lassaigne, Jacques, "Borès ou l'équilibre" ; Grenier, Jean, Francisco Borès, Artcurial, París, Borès. Rétrospective, abril-julio</li>
+           <li>1982 Casariego, Rafael, "Francisco Bores. Nota de aproximación";
+Puente, Joaquín de la, "Bores desde un intento biográfico y una postada personal", Galería Biosca, Madrid, Bores, octubre</li>	
+		   <li>1986 Ordóñez Fernández, Rafael, "Francisco Bores y la independencia de la pintura", Museo Pablo Gargallo, Zaragoza, Francisco Bores. Natures mortes, octubre-noviembre</li>
+           <li>1988 Oliver Maneu, Joan, Francisco Bores, Joan Oliver Maneu Galería d'Art, Palma de Mallorca, octubre</li>
+           <li>1991 Bonet, Juan Manuel, "Francisco Bores, el silencioso", Ministerio de Cultura, Madrid, Bores en las colecciones del estado, exposición itinerante, octubre 1990-noviembre 1991</li>
+           <li>1992 Dechanet, Anne, "Del trabajo cumplido...", Galería Jorge Mara, Madrid, Bores. Obras de los años 30 y 40, febrero-abril</li>
+           <li>1993 Arroyo, Eduardo, "Los últimos cuadros del pintor Francisco Bores", Galería Jorge Mara, Madrid, Bores. Obras de los años 50 y 60, octubre-noviembre</li>
+           <li>1994 Tusell, Javier, "Francisco Bores, paisajista de interiores",
+Centro de Exposiciones y Congresos, Zaragoza, El interiorismo en Bores, abril-mayo</li>
+		   <li>1995 Tusell, Javier, "Actualidad permanente de Francisco Bores", Ansorena, Madrid, Francisco Bores, enero-marzo</li>
+           <li>1996 Rueda, Gerardo, "La pintura intimista de Bores. Recuerdos de viajes", Galería Margarita Summers, Madrid, Bores del natural 1943-1958, mayo</li>
+           <li>1997 Osma, Guillermo de, "Bores: años veinte y treinta", Guillermo de Osma Galería, Madrid, Bores nuevo. Los años veinte y treinta, diciembre 1996-febrero</li>
+           <li>1999 Carmona, Eugenio, Bores ultraísta, clásico, nuevo, 1921-1925, Tusell, Javier, "Francisco Bores. El pintor de la Generación de 1927", Bonet, Juan Manuel, Francisco Bores. El Ultraísmo y el ambiente literario madrileño 1921-1925, septiembre - noviembre
+1999 Carmona, Eugenio, Bores esencial. 1926-1971, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, septiembre-noviembre</li>
+		   <li>2001 Bonet, Juan Manuel, "Divagaciones Boresianas", Galería Leandro Navarro, Madrid, Francisco Bores Antológica sobre papel, marzo-mayo</li>
+</ul>
+
       </div>
     </div>
   </div>

obras-de-arte/juan-barjola/index.php

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         <h2>Juan Barjola</h2>
-        <p>Pintor español cuya obra se despega de la corriente informalista y abstracta imperante para adentrarse en el campo del expresionismo representativo. </p>
-        <p> Nació en Torre de Miguel Sesmero (Badajoz). Su formación artística se reparte entre la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz, la de Madrid y la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En 1957 expuso por primera vez en la galería Abril de Madrid y, tres años más tarde, obtuvo una beca de la Fundación Juan March para viajar a París y a Bélgica. Es entonces cuando entra en contacto con la pintura expresionista de James Ensor y de Francis Bacon, que dejan una profunda huella en el estilo del artista español. Su obra es deudora también del gran pintor aragonés Francisco de Goya, especialmente en la serie de lienzos y litografías dedicadas al mundo de los toros. Realizadas en un lenguaje pictórico desgarrado y sin concesiones, constituyen la obra más representativa de su autor. Otros temas presentes en la obra de Barjola son los perros, las mujeres y los jueces. En 1985 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1988 se inauguró en Gijón un museo que lleva su nombre y que reúne la mayor parte de su obra.</p>
-        <p> Barjola señala de su obra que tiene dos componentes principales un mundo soñado, el palpito que vivimos, y, otras, el mundo onírico, el soñado. Dentro de su mundo real destacan sus maternidades, niños y niñas y, sobre todo las tauromaquias que, al final de su vida, le dieron gran reconocimiento público.</p>
-        <p>En su temática onírica destacan sus obras de tema erótico como son series sobre los prostíbulos. A su labor propiamente pictórica siguió realizando también dibujo toda su vida.</p>
-        <p>La litografía es una parcela del arte en la cual realizó una de las obras maestras del siglo XX español: Tauromaquia. Formada por una colección de 20 litografías en colores estampadas a mano inspiradas en versos de Rafael Alberti y editadas por Rafael Casariego (ediciones de Arte y Bibliofilia) en 1970.</p>
-        <h3>Museos</h3>
-        <p>Museos con colecciones de Juan Barjola:</p>
+<p>Juan Barjola fue uno pintores españoles más reconocidos de la segunda mitad del siglo XX. Nació en Torre de Miguel Sesmero (Badajoz) en el año 1919. Se formó artísticamente en la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz, en la de Madrid y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.</p>
+
+<p>También asistió al Círculo de Bellas Artes, y visitó de forma asidua los Museos de Reproducciones Artísticas y del Prado, de cuyas obras realizaba dibujos y copias, además de conocer en profundidad la obra de artistas que lo influyeron de forma notable, como Velázquez, Goya o El Greco.</p>
+
+<p>En la década del 50 comenzó a dedicarse a pleno a la pintura; y obtuvo la primera Medalla de Dibujo en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.</p>
+
+<p>En 1957 expuso por primera vez en la galería Abril de l capital española y, tres años más tarde, obtuvo una beca de la Fundación Juan March, con la que pudo viajar a París y a Bélgica. En este último país expuso en las galerías Teathre y Valloyra. A partir de entonces entró en contacto con la pintura expresionista de James Ensor y de Francis Bacon, que también fueron de gran influencia para su estilo.</p>
+
+<p>Desde inicios de los años 50 empezó a mostrar su obra en el extranjero a través de exposiciones individuales en la Feria de Nueva York, bienales de Venecia, de Sao Paulo, de Alejandría y de Tokio. Más tarde, también exhibió en Alemania, Estados Unidos, Bruselas y Puerto Rico.</p>
+
+<p>En 1963 celebró una exposición en la Dirección General de Bellas Artes de Madrid, la cual supuso su consagración, debido a la aceptación tanto del público como de la crítica.</p>
+
+<p>Entre finales de los 60 y mediados de los 70 dio clases de Colorido y Composición en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Además, se dedicó al grabado, e ilustró numerosos libros, como La tauromaquia -de Rafael Alberti (1970)- o Tauromaquia y destino -de Antonio Gamoneda (1980)-.</p>
+
+<p>En 1988 se inauguró en Gijón un museo con su nombre, que reúne la mayor parte de su obra. Murió el 22 de diciembre de 2004, a los 85 años. Estuvo activo hasta el final, ya que el pintor estuvo trabajando en unas obras para la próxima edición de ARCO; una de esas pinturas se titulaba Prostíbulo.</p>
+
+<p>Tanto sus lienzos como sus litografías dedicadas al mundo de los toros constituyen su obra más representativa. Aunque también se dedicó a otros temas, como los perros, las mujeres y los jueces.</p>
+
+<p>Este artista, que se destacó por su independencia, se movió entre la abstracción (en 1959), el naturalismo, la figuración y el expresionismo con notas surrealistas y cubistas. Y aunque pasó por diferentes etapas, todas ellas estuvieron enmarcadas en la línea figurativa.</p>
+
+<p>Barjola señala de su obra que tiene dos componentes principales un mundo soñado, el palpito que vivimos, y, otras, el mundo onírico, el soñado. Dentro de su mundo real destacan sus maternidades, niños y niñas y, sobre todo las tauromaquias que, al final de su vida, le dieron gran reconocimiento público.</p>
+
+<p>En su temática onírica destacan sus obras de tema erótico como son series sobre los prostíbulos. A su labor propiamente pictórica siguió realizando también dibujo toda su vida.</p>
+
+<p>La litografía es una parcela del arte en la cual realizó una de las obras maestras del siglo XX español: Tauromaquia. Formada por una colección de 20 litografías en colores estampadas a mano inspiradas en versos de Rafael Alberti y editadas por Rafael Casariego (ediciones de Arte y Bibliofilia) en 1970.</p>
+
+<p>Lo que es y ha sido Juan Barjola: un pintor expresionista; o, lo que es lo mismo, un pintor que vive y representa la realidad como deformada. Deformar la realidad es enfatizar lo expresivo de la misma; es, en suma, humanizarla.</p>
+
+<p>Un pintor con intención analítica pro- pende, sin embargo, a la visión inhumana de lo real, la visión que diluye lo subjetivo. Aunque no de forma exclusiva, la pintura española se ha caracterizado por frecuentar más el expresionismo, por la captación "intensa" de la realidad de la vida. Ha cuidado mejor los afectos y los efectos que las razones. La pintura española es exclamativa y, además, clama por cualquier cosa, ya que concede importancia dramática a todo, sin atender a jerarquías.</p>
+
+<p>Esta indiscriminación ante el dolor, lo más expresivo, junto con la risa, ha sido, desde luego, una constante del extremista arte español. Barjola se reconoce en ello, pero no sólo cuando se fija en un macilento perro que aúlla de hambre en un desmonte urbano, sino cuando entrevé en la apoteosis carnal la acechante mueca
+grotesca del paso del tiempo, lo morible de la vida.</p>
+
+<p>En este punto, la trayectoria de Barjola no se ha concedido un desmayo, pero esa constancia moral en lo expresionista de la expresión no se ha alimentado sólo del pasado.</p>
+
+<h2>PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS</h2>
+
+<p>En 1961 obtuvo su primer galardón, el premio de la Crítica del Ateneo; al año siguiente recibió el primer premio en la Nacional Mediterránea, el Pámpano en Valdepeñas y el premio en la bienal de Zaragoza.</p>
+
+<p>En 1963 fue galardonado con la Medalla de Eugenio D’Ors, con el Premio Nacional de Dibujo y con otros dos galardones en el Certamen de Artes Plásticas. En 1969 obtuvo la primera medalla en la Nacional y el premio de la Exposición de la Unicef.</p>
+
+<p>En 1985 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, junto al pintor gaditano Guillermo Pérez Villalta; en 1991 obtuvo la Medalla de Extremadura y en 2001 se le concedió el Premio Tomás Francisco Prieto.</p>
+
+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>
         <ul>
           <li>Museo Juan Barjola</li>
           <li>Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofía</li>
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           <li>Colección Aena</li>
           <li>Colección Telefónica</li>
         </ul>
-        <h3>Referencias</h3>
+        
+<h2>BIBLIOGRAFÍA</h2>
         <ul>
           <li>Barjola Joaquín de la Puente. Ministerio de Educación 1971</li>
           <li>Barjola. José de Castro Arines. Panorama de la Pintura Contemporánea 1972</li>

obras-de-arte/marie-blanchard/index.php

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       <div id="scroll-content">
         <h2>Marie Blanchard</h2>
-        <p>La pintora María Gutiérrez Cueto, más conocida como María Blanchard, nació 6 de marzo de 1881 en Santander. Su padre era director del periódico El Atlántico y su madre era de ascendencia polaca y francesa. María adoptó el apellido Blanchard de su abuelo materno.
-          A causa de un accidente que tuvo su madre durante el embarazo, María nació con una deformidad física en la columna, era jorobada. Por este motivo, padeció continuas burlas desde la infancia que le afectarán psicológicamente el resto de su vida. La pintura será su gran evasión.</p>
-        <p>Creció en un ambiente familiar culto, es su padre quien hace despertar su interés por el arte. En 1903 se trasladó a Madrid para comenzar su formación con los pintores Emilio Sala, Fernando Álvarez de Sotomayor y Manuel Benedito.</p>
-        <p>Tras obtener la Tercera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes con Los primeros pasos, la Diputación de Santander le concede una beca en 1909, para completar sus estudios en París. Allí recibió clases del pintor español Anglada Camarasa y de Kees van Dongen, que orientan su trabajo hacia la libertad del color y la expresión, alejándose de su formación académica española. Un ejemplo, es el cuadro Ninfas encadenando a Sileno, donde se aprecia la influencia de Anglada Camarasa.</p>
-        <p>En 1914, a causa del estallido de la Primera Guerra Mundial, regresa a Madrid. Asiste a la tertulia de Ramón Gómez de la Serna en el café Pombo y participa en la polémica exposición de Pintores íntegros organizada por éste. Después, se dedicará a la enseñanza como profesora de dibujo en Salamanca, hasta que en 1916, cuando finaliza la guerra, vuelve definitivamente a París.</p>
-        <p>De nuevo en la capital francesa, se relaciona con artistas como Juan Gris, Lipchitz, Metzinger, Diego Rivera, Picabia y Picasso, entablando una gran amistad con Juan Gris, quien ejercerá una profunda influencia sobre ella. Formó parte del grupo cubista parisino, asimiló sus presupuestos y desarrolló una pintura cubista introduciendo elementos personales, como es el tratamiento del color.
-          Poco a poco abandonará este estilo y se inclinará por la figuración. Se trata de una figuración en la que hay cierta influencia constructiva del cubismo. Se caracteriza por los colores dramáticos, dibujos duros y violentos contrastes. Son imágenes intimistas, expresivas, de personajes desvalidos.</p>
-        <p>En 1927, cuando muere Juan Gris, María Blanchard se recluye en sí misma y pierde el contacto con los demás artistas. Su salud empieza a deteriorarse, padece tuberculosis, pero no deja de pintar. Finalmente, muere en 1932.</p>
-        <h3>Bibliografía</h3>
+<p>María Blanchard nace el 6 de marzo de 1881 en el seno de una familia de la nueva burguesía montañesa, hija de Enrique Gutiérrez-Cueto, natural de Cabezón de la Sal (Cantabria) y de Concepción Blanchard y Santiesteban, natural de Biarritz. La familia Gutiérrez-Cueto Blanchard, tenía ya dos hijas cuando nació María, Aurelia, y Carmen; años más tarde nacería su otra hija Ana.</p>
+
+<p>De posición acomodada, se movía en un medio muy culto; no en vano su abuelo, Castor Gutiérrez de la Torre, fue el fundador de La Abeja montañesa y su padre de El Atlántico, prestigioso diario liberal que dirigió durante diez años pese a trabajar en la Junta de Obras del Puerto.</p>
+
+<p>María viene al mundo marcada físicamente como consecuencia de la caída que sufre su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos. Esta deformidad resultante de una cifoscoliosis con doble desviación de columna, condicionará desde su nacimiento su destino y la devoción por su trabajo.</p>
+
+<p>Su enfermedad, hace que rehuyera obsesivamente, por lo que apenas existen fotografías de la artista. "Tan amante de la belleza, sufría con su deformidad hasta un grado impresionante", escribe su prima Josefina de la Serna. La pluma de Ramón Gómez de la Serna, nos deja su mejor descripción: "Menudita, con su pelo castaño despeinado en flotantes Abuelos, con su mirada de niña, mirada susurrante de pájaro con triste alegría". Algunas de sus palabras: "no tengo talento, lo que hago lo hago sólo con mucho trabajo" o "cambiaría toda mi obra... por un poco de belleza", reflejan su propia opinión sobre su físico y su obra.</p>
+
+<p>El ambiente familiar, culto y refinado, habrá de influir decisivamente en su formación. Su padre le inculca el amor y el conocimiento del arte, cultivando desde su más temprana edad sus dotes para el dibujo y su extraordinaria sensibilidad.</p>
+
+<p>Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su verdadera vocación. Sus primeros pasos vacilantes se dirigen al estudio de Emilio Sala, cuya precisión en el dibujo y exuberancia en el color influirán en sus primeras composiciones. En
+Madrid siente el rechazo de una sociedad cerrada.</p>
+
+<p>Al año siguiente muere su padre, por lo que toda la familia decide trasladarse a Madrid, fijando su residencia en la calle Castelló nº7.</p>
+
+<p>Estudió en el año 1906 con Álvarez de Sotomayor y empieza a exponer en Bellas Artes. Dos años más tarde concurre de nuevo, consiguiendo tercera medalla de pintura con la obra Los primeros pasos. Ese año entra en el taller de Manuel Benedito. La diputación de Santander y el Ayuntamiento de dicha ciudad la conceden unas becas que utilizaría para prosegir sus estudios en París y convertirse en la pintora que todos conocemos.</p>
+
+<p>Emprende el viaje a París, en el año 1909, poseedora ya de un oficio y una técnica, dispuesta a enfrentarse con todo lo que la ciudad significaba entonces de nuevo y revolucionario. Pero París esencialmente supone para la pintora la libertad; la libertad en el pleno sentido de la palabra. Acude a la academia Vitti a recibir las enseñanzas de Hermenegildo Anglada Camarasa y Van Dongen que orientan su trabajo hacia la libertad del color y la expresión, permitiéndole alejarse de las restricciones de la pintura académica en la que había iniciado su carrera. En la academia conoce y entabla estrecha amistad con Angelina Beloff, joven artista rusa, con la que en el verano de ese mismo año viaja a Londres y Bélgica, donde coincide con Diego Rivera. A la vuelta de su viaje, compartirá piso en la vivienda y estudio en el nº 3 de la Rue Bagneux con Angelina y Diego.</p>
+
+<p>En el año 1910, acude a la academia de María Vassilief, pintora rusa, con la que acaba años más tarde compartiendo habitación. Allí conoce el nuevo estilo que se estaba fraguando, el cubismo, practicado precisamente por la directora de la academia. Se presenta a la exposición nacional de Bellas Artes con Ninfas encadenando a Sileno, obteniendo una segunda medalla, recompensa que llenará a María de satisfacción, puesto que significaba el reconocimiento a su talento. Al concluir su primera estancia en París, pasa una temporada en Granada, pero decide para regresar a París solicitar otra beca a la Diputación y al Ayuntamiento de Santander intercediendo por ella Enrique Menéndez y Pelayo; la Diputación le concede 1.500 pesetas para dos años.</p>
+
+<p>Vuelve allí en el año 1912 instalándose en el barrio de Montparnasse, en el Nº26 Rue du Départ compartiendo casa y estudio con Diego Rivera y Angelina Beloff. Esta segunda estancia parisina será decisiva, porque favoreció el contacto con el círculo de la vanguardia cubista, especialmente con Juan Gris y Lipchitz.</p>
+
+<p>En el año 1915 Ramón Gómez de la Serna organiza en Madrid una exposición que titula Pintores íntegros. La exposición se abrió entre los días 5 y 15 de marzo en el salón de la calle del Carmen, denominado de "Arte Moderno" y suscitó todo tipo de comentarios sarcásticos, burlas, y protestas, no solo por parte del público sino incluso por parte de la crítica especializada del momento. Expone junto a Diego Rivera, Agustín Choco y Luir Bagaría. Después, la pintora ejerce durante un tiempo como profesora de dibujo en
+Salamanca, pero recibe rechazo y humillación por parte de sus alumnos, por lo que decide instalarse definitivamente en París.</p>
+
+<p>Le pareció genial: Su pasión por el arte, el ambiente y sus amigos hacen que éste, su tercer viaje a París, sea definitivo. María Blanchard nunca más regresará a España. Ramón Gómez de la Serna es testigo de su regreso: "María vivía en estudios abandonados, a los que no habían vuelto los que desperdigó la guerra y comenzó a pintar pieles cubistas, pucheros, maquinillas de moler café, especieros, botes, anatomía de las cosas, mezcladas a la anatomía de los seres... Yo la fui a visitar a un de aquellas casas de "otros" en las que las ropas colgadas en la desidia de no saber que iba a pasar estaban colgadas fuera de los armarios".</p>
+
+<p>María expone en los siguientes años para importantes galeristas junto a Metzinger y Lipchitz.</p>
+
+<p>La tragedia de la Primera Guerra Mundial hizo que los artistas volvieran su mirada hacia el arte clásico, como algo sólido, durable, imperecedero. Se trata en realidad de una vuelta al orden que se inicia en Italia, a través del grupo Valori Plastici, en Alemania a través de la nueva objetividad y en los demás países europeos, a través de aportaciones individuales. Al grupo de artistas que surge en Francia, se les denominó Los evadidos del cubismo (Tabarant) o los Tránsfugos del cubismo (Vauxcelles).</p>
+
+<p>María Blanchard, al igual que los otros pintores cubistas, siguiendo esa tendencia expone en el Salón de los Independientes de París tres obras: Nature morte, Nature morte y L´Enfant au berceau, obras que ya figura como propiedad de Léonce Rosenberg, marchante de la artista, sin embargo será en este año, 1920, cuando rompen relaciones.</p>
+
+<p>Expone en la colectiva Cubismo y Neocubismo organizada por la revista Seléction en Bruselas donde contacta con el grupo de marchantes denominado Ceux de Demain formado por Jean Delgouffre, Frank Flausch y Jean Grimar, quienes se ocuparán
+de su obra años más tarde y serán no solo sus marchantes sino amigos en cuyo entorno familiar se sentirá segura.</p>
+
+<p>Presenta en el Salón de los Independientes de París en el año 1921 tres pinturas y dos dibujos. Sin duda una de las tituladas Figure o Intérieur, es la que conocemos como La Comulgante, obra que se considera iniciada en 1914 durante su estancia en Madrid, pero bien pudiera tratarse de una réplica, método de trabajo habitual de la
+artista. Con esta pintura, nombrada así en las cartas y escritos de Juan Gris y André Lhote, obtiene un gran éxito de crítica. Este último testigo directo de los hechos, lo reflejaba en el siguiente escrito: "La exposición de La Comuniante, constituye un suceso casi escandaloso, según frase de Maurice Raynal. No hay crítico de arte que no celebre en términos entusiastas esta revelación..."</p>
+
+<p>Diego Rivera parte definitivamente para México, sumiendo a Angelina Beloff en una profunda depresión que la distancia de María.</p>
+
+<p>Se instala en una pequeña casa, en el número 29 de la Rue Boulard, cercana a las viviendas de André Lhote y de la familia Riviére.</p>
+
+<p>Gerardo Diego la conoce durante su estancia en París: " A mi me admiraba su clarividencia y su profundo sentido del arte y de la vida..." Se presenta de nuevo en el Salón de los Independientes de París en 1922 con dos obras La femme au chaudron y La femme au panier, obteniendo igualmente un gran éxito de crítica.</p>
+
+<p>Expone veintiuna obras en la Galería Centaure de Bruselas entre los días 14 y 25 de abril de 1923, organizada por Ceux de Demain; la presentación del catálogo corre a cargo de su amigo y pintor André Lhote; las críticas no pueden ser más elogiosas, con lo que se le abre un importante mercado en Bélgica. Firma un duro contrato con su marchante Lheon Rosemberg, lo que le supone una cierta seguridad económica.</p>
+
+<p>Expone por última vez en el Salón de los Independientes de París mostrando cuatro pinturas, Portrait , Portrait, Femme assise y Le buveur.</p>
+
+<p>Distanciada de Juan Gris desde hace unos años, su muerte le provoca un gran dolor, que se transforma en un abatimiento general y un grave estado depresivo. Busca consuelo en la religión apoyándose en el consejo del padre Alterman, al que conocía a través de amigos comunes. Es una etapa de misticismo, de entrega
+religiosa, que le mueve a pensar en entrar a un convento, algo de lo que es disuadida por el propio padre Alterman. A pesar de sus crisis religiosas personales, María sigue pintando incansablemente.</p>
+
+
+<p>Su primo, Germán Cueto, escultor, se instala por iniciativa de la pintora en París junto a su esposa, la tapicera Dolores Velázquez y sus sus dos hijas pequeñas. Esta familia será un alivio para su soledad y María volcará en las pequeñas Ana y Mireya, a las que retrata en varias obras, todo su amor maternal. Vivía entonces en
+París otra prima, Julia a la que apodaban La Peruana. Logró así crear un cierto entorno familiar.</p>
+
+<p>Expone de nuevo en la Galería Centauro de Bruselas, realizando un magnífico estudio de su obra el crítico Waldemar Georges.</p>
+
+<p>María trabaja incansablemente, pese a encontrarse ya enferma, y en un estado de abandono físico tal y como nos describe Isabel Riviére: "Llevó durante años y años un vestido horrible de enormes cuadros amarillos y verdes del que no logramos que se deshiciera ni con las artimañas más sutiles ni con los ataques más directos...
+Cuando intentábamos insinuar, sin concederle mayor importancia, que verdaderamente el negro era lo que mejor le sentaba, contestaba con una sonrrisa suplicante y zalamera de niña a la que quisieran quitar un caramelo: "Me gusta tanto arreglarme".</p>
+
+<p>Su hermana Carmen se traslada con su esposo Juan de Dios Egea, diplomático y con sus tres hijos pequeños a París en 1929, lo que constituye una pesada carga para María. Además, sus hermanas Ana y Aurelia pasan largas temporadas con ella. Esta sobrecarga familiar, aunque rodea de amor a la artista, le supone además un
+gran esfuerzo económico, que mella su ánimo y su salud.</p>
+
+<p>María vive momentos de angustia. Agobiada económicamente, siente sobre sí el peso de la enfermedad y la sobrecarga familiar; sus hermanas, ajenas al drama que estaba viviendo, piensan incluso en enviarle a su madre, algo contra lo que se revela
+la artista: "...Tengo cuatro bocas que alimentar, yo enferma, son cinco, ¿Quieres más?..." María manda empeñar los objetos de plata de la familia que conservaba para hacer frente a la nueva situación familiar. A pesar de su estado de salud, viaja a Bruselas y posteriormente a Londres. Expone en la galería Vavin de Parín. Pinta San Tarcisio, de profundo y auténtico sentido religioso. El 26 de mayo de 1930, Paul Claudel visita su estudio, quedando impactado por ese cuadro al que dedicará en 1931 una poesía.
+</p>
+
+<p>Es seleccionada para participar en la muestra de arte francés que recorre varias ciudades de Brasil. Es seleccionada para la exposición de Pintores Montañeses que se celebra en el Ateneo de Santander y que abrirá sus puertas en el mes de agosto.</p>
+
+<p>María se siente agotada física y psíquicamente. Gómez de la Serna relata este momento: " María, fuerte en su estatura contrahecha, ha minado su naturaleza, que cae enferma con una enfermedad de consunción que no hay quién pueda atajar. ´"Si vivo voy a pintar muchas flores", fueron sus útimas palabras de deseo artístico,
+pero el 5 de abril de 1932, cuando los trenes azules del Sur llegaban llenos de flores, murió la mas grande y enigmática pintora de España".</p>
+
+<p>Su entierro , como su vida, no pudo ser más sencillo, siendo enterrada en el cementerio de Bagneux acompañándola en su último viaje, Francisco Pompey, André Lhote, César Abín, Angelina Beloff, Isabel Riviére y parte de su familia; junto a ellos un gran número de indigentes y vagabundos a los que la artista había
+auxiliado a lo largo de muchos años.</p>
+
+<p>El artículo que aparece en L´Intransigeant, resume toda una vida: "La artista española, ha muerto anoche, después de una dolorosa enfermedad. El sitio que ocupaba en el arte contemporáneo era preponderante. Su arte, poderoso, hecho de misticismo y de un amor apasionado por la profesión, quedará como uno de los
+auténticos artistas y más significativos de nuestra época. Su vida de reclusa y enferma, había por otro lado contribuido a desarrollar y a agudizar singularmente una de las más bellas inteligencias de ese tiempo".</p>
+
+<h2>CARACTERÍSTICAS DE LA OBRA DE MARÍA BLANCHARD</h2>
+
+<p>En la pintura de María Blanchard podemos establecer tres etapas bien diferenciadas: Una primera etapa que podríamos dividir en dos fases: a) Fase de formación con pintores como Sala, Sotomayor y Benedito que le proporcionarán una solidez en el dibujo y una abundancia en el color. En esta etapa va a retratar a sus amigos de forma sincera acentuando aquellos elementos que marcan el carácter y la expresión del rostro * La gitana 1907. * La bretona 1908. Se traslada a París en 1909 para seguir sus estudios, formará parte de la llamada “Escuela de París” y allí entrará en contacto con Anglada Camarasa acercándose a la estética expresionista por la utilización del color * Ninfas encadenando a Sileno 1910. * El jardín de las damas curiosas 1910-1911. b) Fase de reafirmación expresionista: * Paisaje 1912, que es un paisaje de Cabezón de la Sal. Abandona Francia debido a la Primera Guerra Mundial y se relaciona en estos momentos con Diego Rivera y Angelina Belloff, José Bergamín y Gómez de la Serna. Pintará: * La communiante 1914. * El loro 1914-1915. Una Segunda etapa donde realiza su tercer viaje a París y María es una pintora cubista, siendo sus amigos y camaradas Juan Gris, Lipchitz, Metzinger etc… Esta etapa comprende desde 1916 hasta 1920. El cubismo de María Blanchard es un predominio más de lo expresivo, y manifiesta su maestría en el dibujo y la abundancia del color. Dice Fernando Chueca Goitia: “María debe al cubismo su manera de organizar los planos y los ritmos de forma que acentúen el contorno de las formas” Su cubismo se puede clasificar como cubismo sintético, con múltiples planos y transparencias. En cuanto a su tema favorito son los bodegones.</p>
+
+<h2>BIBLIOGRAFÍA</h2>
         <ul>
           <li>Condesa de Campo Alange (María Laffitte), María Blanchard, Madrid, Hauser y Menet, 1944.</li>
         </ul>
+
       </div>
     </div>
   </div>

obras-de-arte/miquel-barcelo/index.php

@@ -25,28 +25,369 @@
     <div class="ficha-pintor float-right" id="scroll-pane">
       <div id="scroll-content">
         <h2>Miquel Barceló</h2>
-        <p>El pintor Miquel Barceló es el más firme representante internacional del arte español contemporáneo y el artista español vivo con más proyección internacional. Es Premio Nacional de Artes Plásticas de España y Premio Príncipe de Asturias de las Artes.</p>
-        <p> Las obras de Miquel Barceló están presentes en las colecciones más prestigiosas y en los Museos más importantes del mundo.</p>
-        <p> Les presentamos una página web donde podrán encontrar amplia información de Miquel Barceló, la biografía del artista presentada cronológicamente, describiendo eventos destacados de su vida, exposiciones realizadas, bibliografía, revistas, libros, artículos de prensa y entrevistas en diferentes medios, escritos y audiovisuales, así como imágenes de una selección de obras.</p>
-        <p>Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el art brut, estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo Taller Lunátic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios.
-          Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.</p>
-        <p>En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988, instala su taller en Malí, al mismo tiempo que expone su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedica el Centro Pompidou de París.</p>
-        <p>En el 2003, ha recibido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes de España.</p>
-        <p>En 2004 expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que expone en el museo.</p>
-        <p>En 2008, expone 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD) para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra levanta un torbellino mediático.</p>
-        <p>Actualmente reside entre París, Mallorca y Mali (África). En el caixaforum de Madrid y Barcelona se puede ver la exposición "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative" una retrospectiva de los 25 años del artista.</p>
-        <h3>Obra</h3>
-        <p>Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con temas de animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action painting ("pintura de acción"), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el art brut.
-          Posteriormente da paso a una pintura más entroncada con la tradición y así surgen las series de las bibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y denso tratamiento pictórico.</p>
-        <p>Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.</p>
-        <p>En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos. En marzo de 2007 la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla elaborada por él en arcilla. Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la tierra. En mayo de 2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos y pasará a llamarse Sala de los DDHH y de la Alianza de Civilizaciones.</p>
-        <p>La literatura ha sido siempre también una de sus inspiraciones. Ha sido ilustrador de libros y él mismo suele redactar los prólogos de sus catálogos. La imagen de la cabecera diario Público, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor mallorquín.</p>
-        <h3>Bibliografía</h3>
-        <ul>
-          <li>Dante Alighieri; ilustrada por Miquel Barceló (2002). Divina Comedia. Infierno. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-418-3.</li>
-          <li>(2003). Divina Comedia. Purgatorio. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-419-0.</li>
-          <li>(2003). Divina Comedia.El Paraíso. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-420-6.</li>
-        </ul>
+
+<p>Artista español que figura entre los más cotizados y unánimemente reconocidos del panorama actual. Dotado de una formidable fuerza creativa, su obra abarca desde inmensas telas y murales hasta esculturas de terracota y cerámica. Su pintura, incorpora numerosos referentes culturales, entre los que cabe destacar en una primera etapa el trasfondo mediterráneo, y a raíz de su estancia en Mali, iniciada en 1988, el paisaje y la forma de vida africanos; más recientemente ha introducido en su obra complejas e intelectualizadas reflexiones sobre el entorno privado del artista, como su taller o su biblioteca. Otro ámbito destacado de su actividad artística es la ilustración de libros, capítulo en el cual ha ilustrado obras de Dante, Paul Bowles y Enrique Juncosa, entre otros.</p>
+
+<p>El temprano interés de Miquel Barceló por el arte procede de su madre, pintora en la tradición del paisaje mallorquín; su primer deslumbramiento lo experimentó cuando viajó a París en 1974 y descubrió la pintura de Paul Klee, Jean Dubuffet, y las obras del art brut en general, que tendrían sobre él un impacto duradero.</p>
+
+<p>Ese mismo año comenzó a asistir a clases de dibujo y modelado en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca, y poco después ingresó en la Escuela de Bellas Artes Sant Jordi, de Barcelona, aunque apenas concurrió a clases durante los
+primeros meses; en cambio, fue decisiva su formación autodidacta: leía con voracidad todo tipo de obras y paulatinamente fue explorando los cuadros de Lucio Fontana, Mark Rothko, Jackson Pollock y Willem De Kooning, entre otros destacados artistas.
+</p>
+
+<p>En 1976 participó en los happenings y las acciones de protesta del grupo Taller Llunàtic, y con ellos realizó su primera exposición en Barcelona, en la galería Mec-Mec, en 1977; al año siguiente expuso en Mallorca telas cubiertas de pintura a las que incorporaba elementos orgánicos. Más adelante experimentó con gruesas capas
+de pintura sobre lienzos que sometía a la intemperie, para provocar en ellos reacciones físicas y químicas espontáneas, como la oxidación o los cuarteamientos, que dejaban al descubierto las entrañas del cuadro. Nunca abandonaría la experimentación con materiales orgánicos y con formas extraídas de la naturaleza.
+</p>
+
+<p>Su participación en la Bienal de Sâo Paulo (1981) y en la Documenta de Kassel VII (1982) lo proyectaron a la escena artística internacional en plena juventud. Los principales museos y galerías del mundo comenzaron a reclamarlo y sus cuadros alcanzaron una elevadísima cotización, insólita en un artista de su edad. Con igual
+premura llegaron importantes galardones: en 1986 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 2003 recibiría el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
+</p>
+
+<p>Barceló ha vivido largas temporadas en Malí, país africano cuya luz, como la del Mediterráneo, ha dejado profundas huellas en su pintura. En 1992 se casó en secreto en la localidad de Artá con Cecile, una holandesa especialista en literatura. Meses después, en agosto de ese año, fue padre por primera vez al dar a su mujer a
+luz en Mallorca a una niña que recibió el nombre de Marcela María Celia. El matrimonio reside en su casa-taller de Sa Devesa de Ferrutx (Mallorca). En el año 2002 realizó una memorable ilustración de La Divina Comedia, de Dante, y en 2007 inauguró un extraordinario retablo cerámico en la capilla del Santísimo de la
+catedral de Palma de Mallorca, que recrea el milagro de los panes y los peces.
+</p>
+
+<p>En noviembre de 2008 se presentó al público la decoración de la cúpula de la Sala XX del Palacio de las Naciones Unidas de Ginebra, bautizada como "Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones". Esta obra, que cubre 1600 metros cuadrados y cuyo coste ascendió a 20 millones de euros, sólo puede ser apreciada por el espectador de forma fragmentaria, debido a su gran superficie; en ella, el artista dio forma a miles de estalactitas marinas que en su conjunto evocan un gran mar universal.</p>
+
+<p>La pintura barroca, el art brut, el expresionismo abstracto norteamericano, el arte povera italiano, las obras de Joan Miró y Antoni Tàpies se cuentan entre las influencias que Barceló ha transfigurado en una formidable síntesis personal de índole neoexpresionista y de desbordante imaginación, de densa presencia matérica e inmensa riqueza plástica.</p>
+
+<h2>EXPOSICIONES</h2>
+
+1974<br />
+<p>Galería DDBC##1Art Picarol, Cala Dor, Mallorca, España. Barceló Artigues. Del 13 de Septiembre al 15 de Octubre. Presentación con texto de Joan Manresa.</p><br />
+<br />
+1975<br />
+<p>
+Bar Es Pou Bo, Génova, Palma de Mallorca, España. Exhibe en este local su instalación de cajas de madera y tapa de cristal con contenido de materia orgánica. El suelo del local se cubrió con cantos rodados.</p><br />
+<br />
+1976<br />
+<p>
+Galería 4 Gats, Palma de Mallorca, España. Barceló Artigues. del 9 al 25 de Febrero. Museu de Mallorca, Palma de Mallorca, España. Cadaverina 15. Del 8 al 23 de Noviembre.</p><br />
+<br />
+1977<br />
+<p> 
+Galería 4 Gats, Palma de Mallorca, España. Miquel Barceló Artigues, 25 Abril - 14 Mayo.</p><br />
+<br />
+1978<br />
+<p>
+Galería Sa Pleta freda, Son Servera, Mallorca, España. Miquel Barceló Artigues. 18 Marzo - 15 Abril.</p><br />
+<br />
+1981<br />
+<p>
+Galería Metronom, Barcelona, España. 30 Llibres Pintats i un llibre de ferro. 19 febrero - 26 febrero. Esta exposición se hizo  compañando la presentación de una colección de libros editados por el poeta Andreu Vidal. La exposición estuvo abierta solamente durante el acto.</p><br />
+<br />
+1982<br />
+<p>
+Colegio de Arquitectos. Palma de Mallorca, España. Miquel Barceló. Febrero - Marzo. Galería Trece, Barcelona, España. Barceló. 20 Abril - 15 Mayo. Galería Fúcares, Almagro, Ciudad Real, España. Miquel Barcelo Pinturas. 22 Mayo - 25 Junio. Galería Axe Art Actuel, Toulouse, Francia. Miquel Barceló. 14 Diciembre 1982 -15 Enero 1983.</p><br />
+<br />
+1983<br />
+<p>
+Galerie Medamothi, Montpellier, Francia. Pintagossos. 4 - 25 Marzo.
+Galería Lucio Amelio, Nápoles, Italia. Miquel Barceló. Junio - Julio.
+Galería Yvon Lambert, París, Francia. Miquel Barceló. Diciembre 1983 – Enero</p><br />
+<br />
+1984<br />
+<p>
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel Barceló. 12 Junio - 14 Julio. Cuadros pintados en Portugal.
+Galería Juana de Aizpuru, Madrid, España. Miquel Barceló. Pinturas 1984. 30 Noviembre 1984 - 20 Enero 1985. Catálogo texto de Antoni Marí.</p><br />
+<br />
+1985<br />
+<p>
+Akira Ikeda Gallery, Nagoya, Japón. Miquel Barceló, New Paintings. 7 Enero – 31 Enero. Galería Rudolf Zwirner, Colonia, Alemania. Miquel Barceló neue arbeiten. 26 Abril - Mayo. CAPC, Museo de Arte Contemporáneo, Burdeos, Francia. Miquel Barceló.
+Peintures de 1983 à 1985. 10 Mayo - 8 Septiembre.Exposición itinerante: Palacio de Velázquez, Madrid. Miquel Barceló. Peintures de 1983 à 1985. 14 Septiembre - 13 Octubre.
+Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich, Alemania. Miquel Barceló. Peintures de 1983 à 1985.
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel Barceló. Neue Bilder. 23 Noviembre - 21 Diciembre.</p><br />
+<br />
+1986<br />
+<p>
+Thomas Segal Gallery, Boston, USA. 11 Enero - 22 Febrero 1986.
+Institute Contemporary of Art, Boston, USA. Miquel Barceló. Peintures de 1983 à 1985. 18 Febrero - 20 Abril de 1986.
+Galería Leo castelli, Nueva York, USA. Miquel Barceló. Abril - Mayo.
+Anders Tornberg Gallery, Lund, Suecia. Miquel Barceló Drawings 1985. Del 4 al 29 Octubre.</p><br />
+<br />
+1987<br />
+<p>
+Yvon Lambert, París, Francia. Miquel Barceló. 21 Enero - 17 Marzo.
+Galerie Michael Haas, Berlín, Alemania. Miquel Barceló. 13 Marzo - 18 Abril.Waddington Galleries, Londres, Reino Unido. Miquel Barceló. 29 Abril – 22 Mayo.
+Leo Castelli, Nueva York, USA. Miquel Barceló. 3 - 31 Octubre.
+Antic Teatre de la Casa de la Caritat, Barcelona, España. Barceló-Barcelona.
+Miquel Barceló. Pintura de 1985 a 1987. Del 27 de Noviembre 1987 al 24 de Enero 1988.</p><br />
+<br />
+1988<br />
+<p>
+Musée dDBC##1Art Contemporain de Montreal, Montreal, Canadá. Miquel Barceló Peintures récentes. 28 Febrero - 22 Mayo.Catálogo Réal Lussier Miquel Barcelo "lDBC##1amour fou de la peinture". Octavio Zaya "La transparence de la peinture".
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel Barceló. New Painting.</p><br />
+<br />
+1989<br />
+<p>
+Galería Lucio Amelio, Nápoles, Italia. Miquel Barceló. 18 Febrero - Marzo.
+Galería Dau al Set (Salvador Riera) Barcelona, España. Miquel Barceló a Mali:
+papers dDBC##1Àfrique. 12 Mayo - Junio.
+Leo Castelli Gallerie, Nueva York, USA. Paintings. Noviembre.
+Castelli Graphics, Nueva York, USA. Drawings and prints. Noviembre.</p><br />
+<br />
+1990<br />
+<p>
+Waddington Galleries, Londres, Reino Unido. Miquel Barceló. 28 Febrero – 24 Marzo.
+Galería Yvon Lambert, París, Francia. Miquel Barceló. 8 Septiembre - 10 Octubre.
+Galería Soledad Lorenzo, Madrid, España. Miquel Barceló. 25 Enero - 24
+Febrero. Catálogo texto de Miquel Barceló.<p><br />
+<br />
+1991<br />
+<p>
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Toros. 6 Junio - 20 Julio. Catálogo texto de Rodrigo Rey Rosa.
+Carré dDBC##1Art. Musée dDBC##1Art Contemporain de Nîmes. Nimes, Francia. Miquel barceló. 5 Julio - 30 Septiembre.</p><br />
+<br />
+1992<br />
+<p>
+Galería Soledad Lorenzo, Madrid, España. Miquel barceló. 30 Enero - 7 Marzo. First Gallery, Moscú, Rusia. Miquel Barceló. Marzo - Abril. Pièce Unique, Galerie Amelio/brachot, París, Francia. Miquel Barceló. Abril - Mayo.
+Galería Salvador Riera, Barcelona, España. Miquel Barceló. 11 Junio - Agosto.
+Gana Art Gallery, Seul, Corea. Miquel Barceló. Del 1 al 15 de Octubre.
+Leo Castelli Gallery. Nueva York, USA. De Rerum Natura. 1992.
+</p><br />
+<br />
+1993<br />
+<p>
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel Barceló. New Works. Abril - Junio.
+Galería Nasoni, Lisboa, Portugal. Miquel Barceló. 30 Abril - Mayo. Exposición itinerante: Galería Nasoni, Oporto. 20 Mayo - Junio. Texto del catálogo: Bernardo
+Pinto de Almeida y Alexandre Melo A matéria da pintura.
+Galeria Civica de Arte Contemporánea, Trento, Italia. Barceló. 22 Mayo – 11 Julio.
+Kunsthalle Rotterdam, Rotterdam, Holanda. Miquel Barceló: Tekeningen van Mali. 28 Agosto - 10 Octubre.</p><br />
+<br />
+1994<br />
+<p>
+Galería Soledad Lorenzo, Madrid, España. Miquel Barceló. 25 Enero – 26 Febrero.
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel barceló. Portraits. 10 Junio – 9 Septiembre.
+Whitechapel Art Gallery, Londres, Reino Unido. Miquel Barceló: 1984-1994. 23
+Septiembre - 20 Noviembre. Exposición itinerante a Valencia IVAM Centre del Carme. 26 Enero - 23 Abril 1995.
+Kyoko Chirathivat Gallery, Bangkok, Tailandia. Miquel Barceló. Recent paintings and sculptures. 7 Diciembre 1994 - 19 Febrero 
+1995.</p><br />
+<br />
+1995<br />
+<p>
+IVAM Centre del Carme. Valencia, España. "Miquel Barceló: 1984-1994". 26
+Enero - 23 Abril 1995.
+Leo Castelli Gallery, Nueva York, USA. Miquel Barceló. 29 Abril - 20 Mayo.</p><br />
+<br />
+1996<br />
+<p>
+Galleri Haaken. Oslo, Noruega. Miquel Barceló. Malerier - Skulpterer. Del 28 de Febrero al 29 de Marzo.
+Galería Lucie Weill & Seligmann, París, Francia. Miquel Barceló. Estampes. Marzo - Abril.
+Centre National Georges Pompidou. Musée National dDBC##1Art Moderne.
+París, Francia. Galerie dDBC##1Art Graphique. Miquel Barceló: Impressions
+dDBC##1Afrique. Del 6 de Marzo al 29 de Abril.
+Galerie Nationale du Jeu de Paume, París, Francia. Miquel Barceló. Del 5 de Marzo al 28 de Abril.</p><br />
+<br />
+1997<br />
+<p>
+PMMK Museum voor Moderne Kunst, Ostende, Bélgica. Miquel Barceló. Stillevens. 25 Abril - 1 Junio. Texto: Poemas Africanos de Enrique Juncosa.
+Castillo de Chenonceau, Chenonceaux, Francia. Miquel Barceló. 1 Junio – 3 Noviembre. Centro Cultural Recoleta, Sala Cronopios, Buenos Aires, Argentina. Miquel barceló. 6 Noviembre - 14 Diciembre. Catálogo texto: Corinne Sacca-Abadi.
+Galería Soledad Lorenzo, Madrid, España. Miquel Barceló. Obra 1996-1997. 27 Noviembre - 31 Diciembre.</p><br />
+<br />
+1998<br />
+<p>
+Timothy Taylor Gallery, Londres, Reino Unido. Miquel barceló. 18 Marzo – 25 Abril.
+Museu dDBC##1Art Contemporani de Barcelona MACBA, Barcelona, España.
+Miquel Barceló: 1987-1997. 2 Abril - 21 Junio.
+Iglesia Santa Eulalia dei Catalani, Palermo, Italia. Il Cristo della Vucciria. Pinturas y cerámicas. 17 octubre -13 diciembre.
+Monasterio de Santo Domingo de Silos, Burgos, España. Centro Permanente de Exposiciones (con motivo de la inauguración de las salas de exposición).</p><br />
+<br />
+1999<br />
+<p>
+Museu dDBC##1Art Contemporani - Fundació Joan March, Palma de Mallorca,
+España. Miquel Barceló ceràmiques 1995 - 1998. Del 22 de Junio de 1999 al 8 de
+Enero de 2000. Exposición itinerante: Museo de la Cerámica, Barcelona. Febrero - Abril 2000.
+Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España. Miquel Barceló.
+Obra sobre papel 1979-1999. 14 Septiembre - 21 Noviembre. Exposición itinerante:
+Sala de exposiciones de la Caja General de Ahorros de Granada, Granada, España.
+Miquel Barceló. Obra sobre papel 1979-1999. Del 2 de Diciembre de 1999 al 31 de Enero de 2000. En el año 2000 viaja a Sâo Paulo, Brasil. Montevideo, Uruguay y Tel Aviv, Israel.
+</p><br />
+<br />
+2000<br />
+<p>
+Museu de Cerámiques de Barcelona, Palau de Pedralbes, Barcelona, España. Barceló Ceràmiques 1995 - 1998. Enero - 23 Abril. Museo de Arte, Sâo Paulo, Brasil. Miquel Barceló. Obra sobre papel 1979-1999. Marzo - Abril 2000.
+Grant Selwyn Fine Art, Nueva York, USA. Miquel Barceló. Cerámicas: 12 Abril al 13 de Mayo. Pinturas: 16 de Mayo al 17 de Junio. Catálogo textos: Peindre ici por Miquel Barceló y Talleres de Miquel Barceló por Rodrigo Rey Rosa.
+Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. Miquel Barceló. Obra sobre papel 1979-1999. Del 15 de Junio al 16 de Julio.
+Tel Aviv Museum of Art. Tel Aviv-Yafo, Israel. Miquel Barceló. Obra sobre papel 1979-1999. Septiembre - Octubre 2000.
+Musée des Arts Décoratifs, París, Francia. Miquel Barceló, un peintre et la céramique. 27 Septiembre - 12 Noviembre.
+</p><br />
+<br />
+2001<br />
+<p>
+Jablonka Galerie, Colonia, Alemania. Miquel Barceló. LDBC##1Ours blessé. 27 Abril - 26 Mayo.
+Timothy Taylor Gallery, Londres, Reino Unido. Miquel Barceló, new paintings and ceramics. 22 Junio - 18 Agosto.
+Feria Internacional de Muestras de Asturias. Oviedo, España. Pabellón de la Sociedad Anónima Tudela Veguín. Fondos de la Colección Masaveu. Del 4 de Agosto al 14 de Agosto.
+</p><br />
+<br />
+2002<br />
+<p>
+Galería Paolo Curti, Milán, Italia. Raccolta di polvere. 12 Marzo - 30 Abril. Fondation Maeght, Saint Paul de Vence, Francia. Mapamundi. 12 Abril – 20 Junio. Abadía de Santo Domingo de Silos. Burgos, España. Miquel Barceló en Silos. 20 Mayo - 15 Julio. Catálogo, texto de Biel Mesquida. Galería Soledad Lorenzo. Madrid. Miquel Barceló. Grabados de las series "Lanzarote" de 1999 y "Pornográfica" del 2000. 4 Junio - 6 Julio.
+Galleria Nazionale dDBC##1Arte Moderna, Roma. LDBC##1Atelier di Miquel Barceló. 11 Septiembre 2002 - 12 Enero 2003.
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel Barceló. Del 2 de Noviembre de 2002 al 4 de Enero de 2003.</p><br />
+<br />
+2003<br />
+<p>
+Miquel Barceló a les Illes Balears. Tres exposiciones simultáneas en:La Llotja de Palma de Mallorca. Pintura. 1 de Mayo al 31 de Agosto. Museo de Manorca en Maó y Capella del Roser en Ciutadella de Menorca. Cerámica y pintura. Del 30 de
+Abril al 29 de Junio en Maó y Del 8 de Julio al 31 de Agosto en Ciutadella. Museu dDBC##1Art Contemporani de Ibiza, Ibiza. Obra sobre papel y en la Plaza del Ayuntamiento de Sant Frencesc Xavier de Formentera se expone la escultura "Il mobili". Del 28 de Abril al 31 de Agosto. Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella, España. Barceló. Grabados del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 18 Julio – 13 Septiembre.
+Plaza de Trascorrales. Antígua Plaza del Pescado de Oviedo, España. Se exponen las obras de la Colección Masaveu. Miquel Barceló. 10 Octubre - 29 Octubre 2003.
+Pinacoteca do Estado. Sao Paulo. Brasil. Barceló. Arte español para el exterior. 13 Diciembre 2003 - 22 Febrero 2004. Exposición itinerante a Hannover, Alemania
+en 2004 y en 2005 a Monterrey, Mexico y Ciudad de México.
+</p><br />
+<br />
+2004<br />
+<p>
+Pinacoteca do Estado. Sao Paulo. Brasil. Barceló. Arte español para el exterior. 13 Diciembre 2003 - 22 Febrero 2004.
+Galería Paolo Curti, Milán, Italia. Sculture 1993-2002. 9 Marzo - 30 Abril. Museo del Louvre, París, Francia. Salle dDBC##1actualité de département des arts graphiques. La Divine Comédie. Dessins de Miquel Barceló. 9 Abril - 5 Julio.Del 2 de Junio al 5 de Julio, en el ciclo Le tableau du mois, se expone su obra titulada Bodegón avec protozoaires et trous noirs (2003), confrontándola a una obra de
+Anne Vallayer-Coster (1744 - 1818) Panaches de mer, lythophytes et coquilles perteneciente a los fondos del museo.
+Galerie de lDBC##1Ancien Collège. Ecole dDBC##1Arts Plastiques,
+Châtellerault, Francia. Miquel Barceló. Gravures. Del 18 de Junio al 31 de Agosto.
+Museo del Grabado. Sala de Exposiciones Ignacio Zuloaga. Fuendetodos, España.
+Miquel Barceló. Grabados del Museo Centro de Arte Reina Sofía. 19 Junio – 19 Septiembre.
+Kestnergesellschaft, Hannover, Alemania. Barceló. Arte español para el exterior. 24 Septiembre - 7 Noviembre. Exposición itinerante en 2005 a Monterrey, México y Ciudad de México.
+Centro Cultural Bancaixa. Alicante, España. Barceló: serie Lanzarote. Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Del 14 de Octubre 2004 al 10 de Enero 2005.
+Museo de las Artes. Universidad de Guadalajara, México. Miquel Barceló: La Divina Comedia. Exposición organizada por el Institut Ramon Llull, en el programa de actividades "La Cultura Catalana". 26 Noviembre - 4 Diciembre.
+</p><br />
+<br />
+2005<br />
+<p>
+C&M Arts, Nueva York, USA. Miquel Barceló. 25 Enero - 5 Marzo.
+Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey, México. Barceló. Arte español para el exterior. 18 Febrero - 1 de Mayo.
+Galería Bruno Bischofberger, Zürich, Suiza. Miquel Barceló. New Works. 17 Marzo - 23 Abril. Sala Kubo-Kutxaespacio del Arte. Kursaal. San Sebastián, España. Miquel Barceló. Las formas del mundo. Obra reciente. 4 Mayo - 17 Julio. Galería Arteko. San Sebastián, España. Miquel Barceló. Serie: Lanzarote. Obra
+gráfica. Del 5 de Mayo al 25 de Junio.
+Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo, Ciudad de México, México. Barceló. Arte español para el exterior. 12 Mayo - 7 Agosto.
+Castel Nuovo Maschio Angioino. Sala dellDBC##1Armeria. Piazza del Municipio. Nápoles, Italia. Miquel Barceló: La Divina Comedia. Exposición organizada por el Institut Ramon Llull, "Veles e vents" Cultura Catalana a Napoli.
+Del 10 de Octubre al 20 de Noviembre.
+Galería Gacma. Málaga, España. Gesto de la naturaleza. Miquel Barceló. Expone una selección de 25 grabados realizados entre 1989 y 2000. Paralelamente la galería exhibe una muestra de fotografías de Miquel Barceló, realizadas por Jean-Marie del
+Moral. Del 2 de Diciembre de 2005 al 2 de Febrero de 2006.
+</p><br />
+<br />
+2006<br />
+<p>
+Timothy Taylor Gallery, Londres, Reino Unido. Miquel Barceló. New Etchings. Del 9 de Enero al 4 de Febrero. Jablonka Galerie. Colonia, Alemania. Miquel Barceló, Ceramics. Del 19 de Mayo
+al 15 de Agosto de 2006. Festival dDBC##1Avignon. Eglise des Célestins, Avignon, Francia. Miquel Barceló. Del 8 al 27 de Julio.
+Museo dDBC##1Arte Moderna. Lugano, Suiza. Miquel Barceló. Del 12 de Noviembre de 2006 al 4 de Febrero de 2007.
+Centro Cultural Fundación Círculo de Lectores. Barcelona. Miquel Barceló. La Divina Comedia. Del 12 de Diciembre de 2006 al 28 de Febrero de 2007. Prorrogada hasta el 17 de Marzo de 2007.
+</p><br />
+<br />
+2007<br />
+<p>
+Galeria Yvon Lambert. Paris. Miquel Barceló. Del 21 de Abril al 26 de Mayo. LongHouse Reserve. East Hampton, New York. Miquel Barceló Clay and Bronze. Del 27 de Julio al 6 de Octubre de 2007.
+Fundación Godia. Barcelona. Barceló en las colecciones privadas de Barcelona. Del 23 de Octubre de 2007 al 5 de Enero de 2008.
+2008 Museo Provincial de Lugo. Xesto da natureza - Gesto de la naturaleza. Del 26 de Febrero al 30 de Marzo. Itinerante a:Centro Cultural Okendo de Donostia- San Sebastián. Del 10 de Abril al 7 de Junio.Sala Municipal de Exposiciones de la Iglesia de las Francesas, Valladolid. Del 10 de Julio al 17 de Agosto.Centro
+Cultural La Asunción, Albacete. Del 4 de Septiembre al 31 de Octubre.
+Irish Museum of Modern Art. Dublin, Irlanda. Miquel Barceló: The African Work. Del 25 de Junio al 28 de Septiembre de 2008.
+</p><br />
+
+
+<h2>PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS</h2>        
+<p>El 12 de junio de 2003 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. El jurado que otorgó a Barceló este premio lo ha considerado uno de los nombres máximos de la pintura europea contemporánea. Además lo destacó por vivir consagrado a su obra, haberse vinculado con la mejor tradición española y reflejar desde una mirada mediterránea la proximidad a la realidad vital.</p>        
+        
+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>        
+
+<ul><li>
+Artium de Álava. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
+</li><li>
+Banco BBVA
+</li><li>
+Banco de España
+</li><li>
+CAC Centro de Arte Contemporáneo Málaga
+</li><li>
+Caixa de Balears Sa Nostra
+</li><li>
+Caja de Burgos
+</li><li>
+Caja Madrid
+</li><li>
+CAPC Musée d’Art contemporain, Bordeaux
+</li><li>
+Carré d’Art. Musée d’Art Contemporain, Nimes
+</li><li>
+Centre Pompidou- Musée National d’Art Moderne
+</li><li>
+Colección Masaveu
+</li><li>
+Es Baluard - Museu d´art modern i contemporani de Palma
+</li><li>
+Fondation Pierre Gianadda
+</li><li>
+Fondazione Amelio. Istituto per l´Arte Contemporanea
+</li><li>
+Frac des Pays de la Loire
+</li><li>
+Frac d´Ile de France. Le Plateau
+</li><li>
+Frac Midi-Pyrénées. Les Abattoirs
+</li><li>
+Fundació Suñol
+</li><li>
+Fundación AENA
+</li><li>
+Fundación Bancaja
+</li><li>
+Fundación Caixa Galicia
+</li><li>
+Fundación Cultural de Campanet Joan Beltrán
+</li><li>
+Fundación Fran Daurel
+</li><li>
+Fundación Francisco Godia
+</li><li>
+Fundación La Caixa
+</li><li>
+Fundación María José Jove
+</li><li>
+Fundación Santander Central Hispano
+</li><li>
+Fundación Sindika Dokolo
+</li><li>
+Fundación Unicaja
+</li><li>
+Fundación Yannick y Ben Jakober
+</li><li>
+Museo Botero
+</li><li>
+Museo Colecciones ICO. MUICO
+</li><li>
+Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber
+</li><li>
+Museo de Bellas Artes de Asturias
+</li><li>
+Museo de Bellas Artes de Bilbao
+</li><li>
+Museo Guggenheim de Arte Moderno y Contemporáneo
+</li><li>
+Museo Marugami Hirai
+</li><li>
+Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS)
+</li><li>
+Museo Würth La Rioja
+</li><li>
+Museu de Ceràmica de Barcelona
+</li><li>
+Museu d´Art Contemporani de Barcelona. MACBA
+</li><li>
+Museu d´Art Espanyol Contemporani
+</li><li>
+Museum of Fine Arts, Boston
+</li><li>
+Patio Herreriano. Museo de Arte Contemporáneo Español (Dos obras de la
+colección de Unión Fenosa)
+</li><li>
+Pinacothèque de Paris
+</li></ul>
+
+<h2>BIBLIOGRAFÍA</h2>
+<ul><li>
+Dante Alighieri; ilustrada por Miquel Barceló (2002). Divina Comedia. Infierno.
+Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-418-3.
+</li><li>
+(2003). Divina Comedia. Purgatorio. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-419-0.
+</li><li>
+(2003). Divina Comedia.El Paraíso. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-420-6.
+</li></ul>
+
+
       </div>
     </div>
   </div>

obras-de-arte/oscar-dominguez/index.php

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             <h2>Oscar Domínguez</h2>
 
-<p>La Laguna, Tenerife, 3 de enero de 1906 – París, 31 de diciembre de 1957 fue un pintor surrealista español perteneciente a la Generación del 27. Inventó la decalcomanía.</p>
-<p>En 1927 se traslada a París para llevar unos negocios familiares donde permanece hasta su muerte. Pinta como aficionado hasta 1931, cuando la muerte de su padre le obliga a ganarse la vida como pintor. De 1929 a 1938 se extiende su etapa propiamente surrealista, centrada en los procedimientos automáticos, en los que destacó como inventor de los de calcomanías. En 1935 se incorpora al grupo surrealista, del que será expulsado en 1945 por su apoyo a la postura política de Eluard.</p>
-<p>A principios de los cuarenta atraviesa una etapa influida por De Chirico hasta que el conocimiento profundo de la obra de Picasso, facilitado por la amistad entre ellos, le lleva a una síntesis de imágenes surrealistas de configuración cubista. Entre finales de los cuarenta y principios de los cincuenta transcurre el período "esquemático", que supone la superación de la dependencia picassiana con composiciones más serenas y equilibradas y un cromatismo más grave, delimitado por su característico "Triple trazo", blanco y negro.
-Desde 1955 trabaja en los límites de la abstracción que abandona en el último año de su vida para reavivar su inicial interés por el automatismo. Aunque residente en París, siguió en contacto con su tierra, siendo uno de los más decididos animadores del surrealismo español. Su obra plasmó un surrealismo ecléctico, de base casi naturalista y, en el más noble sentido de la palabra, académico.</p>
-<h3>Obra</h3>
-<p>Óscar Domínguez es considerado hoy en día uno de los mayores exponentes mundiales de la vanguardia histórica española que se gestó en París durante las primeras décadas del siglo XX. Junto a su nombre suelen figurar el de artistas de la talla de Picasso, Miró o Dalí. Versátil y polifacético, es uno de los artistas más atractivos e innovadores del panorama de la pintura internacional del siglo XX. En general, las figuras y objetos que componen sus obras surrealistas contienen referencias mágicas, mecanicistas y sexuales, situándose muchas de ellas en el paisaje canario a pesar de residir la mayor parte de su vida en París. La aportación más importante que Óscar Domínguez hizo al surrealismo fue la invención de la decalcomanía o calcomanía, técnica en la que el automatismo psíquico tenía un protagonismo absoluto. Su precedente son las dentrites de la escritora romántica francesa George Sand. La utilizó por primera vez en 1934 y para la cubierta de la monografía de Westerdahl sobre Baumeister. También publicó un libro de ellas, Grisou, que no vio la luz hasta 1992, en París. Este procedimiento tuvo una magnífica aceptación entre los surrealistas que lo adoptaron rápidamente e influyó posteriormente en la pintura expresionista abstracta. La decalcomanía consiste en introducir gouache negro líquido (una especie de témpera) entre dos hojas de papel presionándolas de un modo no controlado. Otra de sus aportaciones al movimiento surrealista fue la teoría de la petrificación del tiempo a través de la cual empieza a introducir en sus composiciones formas cristalizadas y estructuras de redes angulosas. Hay petrificaciones de ese estilo en los cuadros de René Magritte.</p>
-<h3>Museo</h3>
-<p>En el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) ubicado en Santa Cruz de Tenerife existe un centro dedicado a su obra, llamado Instituto Óscar Domínguez.</p>
-<p>Este centro se inauguró el 31 de octubre de 2008 y acoge sus más prestigiosas obras. La ubicación del mismo está en el mismo centro de Santa Cruz de Tenerife, entre la iglesia de la Concepción y el mercado de Nuestra Señora de África (la Recova). Los arquitectos son los reconocidos suizos Herzog & De Meuron y el español Virgilio Gutiérrez Herreros.</p>
-<h3>Filmografía</h3>
+<p>Nació en la ciudad tinerfeña de San Cristóbal de La Laguna. El padre era un terrateniente poseedor de extensas propiedades agrícolas. De inmediato la familia y sus tres hijos se trasladaron a vivir a Tacoronte con su abuela Federica, cerca de la histórica Casa de la Alhóndiga. A sus playas de arena negra hace referencia en sus cuadros. El primero data de 1926, Autorretrato con pipa, y está firmado con la expresión Óscar X que utilizó en su primera época.</p>
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+<p>En 1927, su padre lo envió a París a casa de su hermana Antonia y su marido, el pintor Álvaro Fariña, para organizar la exportación del negocio platanero de su padre, aunque tuvo que regresar en 1928 para cumplir el servicio militar. Al volver entró en contacto con el movimiento surrealista, y sobre todo con André Bretón. Este grupo marcó su trayectoria hasta que fue expulsado al acercarse a la pintura de Pablo Ruiz Picasso. Allí conoció además a Paul Éluard, Man Ray y Wilfredo Lam.</p>
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+<p>En 1928 expuso en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife en compañía de la pintora francesa Lily Guetta. En 1931 muere su padre. Su primera individual fue organizada por el grupo surrealista tinerfeño de Gaceta de Arte, en 1933, también en el Círculo de
+Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife y en Las Palmas de Gran Canaria; por entonces sostenía una relación con una pianista polaca que le acompaña a las islas y aparece en algunos de sus cuadros como Retrato de Roma, El piano o Paisaje deCanarias. De esa época es también su famosa Máquina de coser electrosexual.
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+<p>La iconografía de sus cuadros alude frecuentemente a volcanes, grutas y la vegetación típica de las islas; también hay latas de conserva, imperdibles, revólveres, flechas, leones y toros que forman parte de sus objetos surreales. Al año siguiente, 1934, se incorporó al círculo de André Bretón y se sumerge por completo en el surrealismo de sus maestros: Salvador Dalí, Max Ernst, Yves Tanguy, el rumano Víctor Brauner, el chileno Roberto Matta o Picasso. Entre sus obras de aquellos años, de un estilo en parte deudor del de Salvador Dalí, y en los que a menudo se inspira en el paisaje canario, destacan Drago (1933), Máquina de coser electrosexual (1935) y sobre todo el espléndido Cueva de guanches (1935), expuesto en el Centro de Arte Reina Sofía. En 1935 participó en la Exposición Surrealista de Santa Cruz de Tenerife, en la que firmó el manifiesto Du temps que les surréalistes aviaient raison.</p>
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+<p>También son importantes sus objetos surrealistas, entre los que destacan Pérégrinations de Georges Hugnet (1935) y L'arrivée de la Belle Epoque, montados en París en la Exposition Surréaliste d'Objets de la Galerie Charles Ratton en 1936.</p>
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+<p>Por entonces da a conocer la técnica de la decalcomanía (precedente de la calcomanía actual), consistente en introducir gouache negro líquido entre dos superficies presionándolas de modo incontrolado, una técnica que adoptaron rápidamente los surrealistas y tanto influyó posteriormente en el expresionismo
+abstracto. Visitó Barcelona, donde hizo amistad con Remedios Varo, con Esteban Francés y con Manuel Viola.</p>
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+<p>Durante la Guerra Civil Española se escondió en su isla natal y logró posteriormente marchar a París en un barco de fruta con documentación falsa. Allí pasó la mayor parte del resto de sus días. Emprendió entonces su llamado "periodo cósmico", que es uno de los más interesantes de su carrera. Lo inicia con Paisaje abisal. Junto a Ernesto Sabato elabora la Teoría de la petrificación del tiempo e introduce en su obra formas cristalizadas y estructuras de redes angulosas. También estrecha su relación con Pablo Ruiz Picasso. Por entonces se inspira en el libro Lancelot 28º - 7º del poeta surrealista canario Agustín Espinosa para componer su cuadro del mismo título; para él también había hecho la cubierta de Crimen (1934), la más importante de las novelas surrealistas en español, como también había hecho la de Romanticismo y cuenta nueva (1934, de Emeterio Gutiérrez Albelo.</p>
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+<p>Durante la Segunda Guerra Mundial se refugió de los nazis en Marsella y pasó un tiempo en el Château de Air Bel, junto a esta ciudad, regresando posteriormente a París, donde vivió con Maud Bonneaud, que años después se casaría con Eduardo Westerdahl, y colaboró con el grupo surrealista clandestino La Main à Plume.
+Contempla la pintura de Giorgio de Chirico, por el que siente una gran admiración. Pinta sus cuadros El mapamundi, Toro moribundo y El revólver.</p>
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+<p>Posteriormente rompió con el Surrealismo y con André Bretón, fuertemente influido por la obra de Picasso. Ilustró con aguafuertes Poésie et verité (París: Les nourritures terrestres, 1947), de Paul Éluard. Hay que mencionar también su propio libro de versos Les deux qui se croisent (Paris: Fontaine, 1947). El artista vivió los últimos años de su vida preso de la locura tras sufrir acromegalia, enfermedad degenerativa que deformó su físico e hizo crecer extraordinariamente su cráneo.</p>
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+<p>Tras la Segunda Guerra Mundial le rinden numerosos homenajes en Alemania y Checoslovaquia. En 1953 ya advierte su trágico final, y escribe: "Este año ha sido una cosa terrible; he perdido más de diez amigos que quería profundamente". La Nochevieja de 1957 se suicidó en París, completamente borracho, abriéndose las venas en el baño de una fiesta que daba su amiga, la Vizcondesa de Noaffles. Sus restos descansan en el "Panteón de los Noailles" del cementerio de Montparnasse, junto a otros artistas.</p>
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+<p>Óscar Domínguez es considerado hoy en día uno de los mayores exponentes mundiales de la vanguardia histórica española que se gestó en París durante las primeras décadas del siglo XX. Junto a su nombre suelen figurar el de artistas de la talla de Picasso, Miró o Dalí. Versátil y polifacético, es uno de los artistas más atractivos e innovadores del panorama de la pintura internacional del siglo XX.</p>
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+<p>En general, las figuras y objetos que componen sus obras surrealistas contienen referencias mágicas, mecanicistas y sexuales, situándose muchas de ellas en el paisaje canario a pesar de residir la mayor parte de su vida en París. La aportación más importante que Óscar Domínguez hizo al surrealismo fue la invención de la decalcomanía o calcomanía, técnica en la que el automatismo psíquico tenía un protagonismo absoluto. Su precedente son las dentrites de la escritora romántica francesa George Sand. La utilizó por primera vez en 1934 y para la cubierta de la monografía de Westerdahl sobre Baumeister. También publicó un libro de ellas, Grisou, que no vio la luz hasta 1992, en París. Este procedimiento tuvo una magnífica aceptación entre los surrealistas que lo adoptaron rápidamente e influyó posteriormente en la pintura expresionista abstracta.</p>
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+<p>La decalcomanía consiste en introducir gouache negro líquido (una especie de témpera) entre dos hojas de papel presionándolas de un modo no controlado. Otra de sus aportaciones al movimiento surrealista fue la teoría de la petrificación del tiempo a través de la cual empieza a introducir en sus composiciones formas cristalizadas y estructuras de redes angulosas. Hay petrificaciones de ese estilo en los cuadros de René Magritte.</p>
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 <p>La figura de Óscar Domínguez fue llevada al cine en 2008 por el director español Lucas Fernández en la película Óscar, una pasión surrealista y que se estrenó el 22 de febrero. El pintor es interpretado por el actor portugués Joaquim de Almeida.</p>
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 <p>En 2007, se estrenó el largometraje documental "Monsieur Domínguez" que analiza la obra del pintor a través de prestigiosos críticos de arte especializados en el surrealismo. Esta producción, dirigida por el cineasta Miguel G. Morales, fue rodada en París y Tenerife.</p>
-<h3>Bibliografía</h3>
-<ul><li>Juan Manuel Bonet, Diccionario de las Vanguardias en España (1907-1936). Madrid: Alianza Editorial, 1995.</li>
-<li>Emmanuel Guigon, Óscar Domínguez - Biblioteca de artistas Canarios. Canarias: Viceconsejería de Cultura y Deportes. 1996.</li></ul>
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+<h2>OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES</h2>
+<p>En el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) ubicado en Santa Cruz de Tenerife existe un centro dedicado a su obra, llamado Instituto Óscar Domínguez. Este centro se inauguró el 31 de octubre de 2008 y acoge sus más prestigiosas obras. La ubicación del mismo está en el mismo centro de Santa Cruz de Tenerife, entre la iglesia de la Concepción y el mercado de Nuestra Señora de África (la
+Recova). Los arquitectos son los reconocidos suizos Herzog & De Meuron y el español Virgilio Gutiérrez Herreros.</p>
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+<h2>BIBLIOGRAFÍA</h2>
+<ul><li>
+Juan Manuel Bonet, Diccionario de las Vanguardias en España (1907-1936). Madrid: Alianza Editorial, 1995.
+</li><li>
+Emmanuel Guigon, Óscar Domínguez - Biblioteca de artistas Canarios. Canarias: Viceconsejería de Cultura y Deportes. 1996.
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